Board Inspiration Thư pháp cổ điển

Board Inspiration Thư pháp cổ điển Có lẽ nó là bởi vì chữ viết tay của riêng tôi đối thủ nguệch ngoạc của một bác sĩ, nhưng tôi yêu thư pháp. Thật khó để không có một chút ngưỡng mộ cho một cái gì đó rất đẹp. Phần tốt nhất là có rất nhiều loại mà nó có thể dễ dàng phù hợp với phong cách của bất kỳ đám cưới, không có vấn đề làm thế nào hiện đại hay cổ điển. Nếu bạn không muốn chấp nhận lời mời thư pháp hoặc phong bì, hãy thử sử dụng chạm vào các chương trình của bạn hoặc thẻ nơi.
Dịch vụ cưới

http://lichsunayuka.blogspot.com/2012/10/y-tuong-voi-hoa-sen-bridal-bat-ngo.html

Việc thông báo này cho vay mình hoàn hảo cho DIYers.

Anne - Dễ dàng Tự làm dự án






Những ngày này, tôi là tất cả về DIY. Từ trang trí nhà của tôi để cố gắng thuyết phục những người đáng yêu mà DIY là tốt nhất, thỏa mãn nhất (và có thể là một trong những chi tiết đã cố gắng-và-đúng) cách để kéo lại với nhau một đám cưới, gần đây các chi tiết dường như chỉ là tốt hơn nhiều khi chúng liên quan đến một chút của tình yêu làm bằng tay.



Tuy nhiên, tôi nghĩ rằng tất cả chúng ta đều có thể đồng ý rằng một số điều này là dễ dàng hơn để DIY hơn so với những người khác. Trong khi tôi có thể cắt và buộc mảnh sợi xe xung quanh bất cứ điều gì khá nhiều, tôi sẽ đi trước và thừa nhận rằng việc sắp xếp hoa (hoặc may bất cứ điều gì về bất cứ điều gì) là nhiều hơn một chút bên ngoài của bộ kỹ năng của tôi. May mắn thay có là một trong những lĩnh vực trong lĩnh vực lập kế hoạch đám cưới là vô cùng thân thiện DIY: rất có thể là tất cả những gì bạn cần là một máy in và có thể một vài keo dính. Đó là đúng, tôi đang nói về giấy.



Mỗi đám cưới (trừ khi kiến ​​thức của bạn về công nghệ là cách rõ ràng hơn so với tôi và bạn có thể quản lý để làm tất cả mọi thứ từ lời mời cho các chương trình kỹ thuật số) kết thúc bằng cách sử dụng một loạt các hàng giấy, và trong khi thiết kế các lời mời của bạn không có thể là cách bạn muốn chi tiêu thời gian của bạn, có một số dự án đơn giản, bạn có thể thực hiện một cách dễ dàng.


Lưu Ngày. Việc thông báo này cho vay mình hoàn hảo cho DIYers.

Đơn giản, ngọt ngào, và dễ dàng gửi một tấm bưu thiếp mang một hình ảnh đính hôn hoặc thông báo đơn giản, như lịch, hoặc, nếu bạn có dầu mỡ khuỷu tay ít hơn có sẵn, một nam châm tự chế (bởi vì ai không yêu bao gồm tủ lạnh của họ với lời mời đám cưới tôi biết tôi làm .dịch vụ cưới, ..).
Nơi thẻ: từ thẻ vào cây nhỏ xíu trong chậu máy bay giấy ... tốt, tôi nghĩ rằng chúng ta có thể một cách an toàn (và gần như nghĩa đen) nói rằng khi nói đến những chi tiết này, bầu trời DIY là giới hạn. Mọi người đều nhận được một, do đó, họ có thể mất thời gian nhiều dịch vụ cưới, hơn một chút để kéo lại với nhau. Nhưng tất cả mọi người được một và họ không cần phải được đặc biệt là xây dựng chỉ là một hương vị của bạn, chồng chưa cưới của bạn, và đám cưới bạn đã làm việc cật lực để lập kế hoạch.dịch vụ cưới,
Cảm ơn bạn ghi chú. Bây giờ, tôi giả định rằng mỗi người trong các bạn đã lên kế hoạch của riêng bạn cảm ơn bạn ghi chú bằng văn bản. Tuy nhiên, cho dù bạn đang lập kế hoạch mua một hộp văn phòng phẩm tại Target (tội), bạn có một người nào đó bằng tay thủ công chi tiết của họ, hoặc bạn đang tìm kiếm một cơ hội khác để cung cấp cho thiên tài sáng tạo của riêng của bạn một cơ hội để tỏa sáng bạn có thể không đi sai. Bạn có thể sử dụng một bức ảnh từ ngày cưới của bạn hoặc thậm chí chỉ đơn giản là lựa chọn để giới thiệu tên mới cuối cùng của bạn với một con tem cá nhân.

Dịch vụ cưới

Zen Art

Bây giờ tất cả các bạn đã có để làm là dành một chút thời gian dịch vụ cưới, động não, một chuyến đi đến Lobby Sở thích và bạn thiết lập! Những gì bạn nghĩ rằng bạn sẽ Tự làm cho đám cưới của bạn? Có gì không? Tất cả mọi thứ? Một số kết hợp của cả hai? Tôi muốn nghe tất cả về nó!

Tín dụng hình ảnh: Công ty Wedding tự nhiên

Trang Wedding miễn phí của bạn để mời Storkie của bạn trận

Tài trợ Post: Trang Wedding miễn phí của bạn để mời Storkie của bạn trận



Dịch vụ cưới

Bạn có một trang web mywedding.com đám cưới miễn phí chưa? Nếu không, bạn nên đầu trên. Một cách tuyệt vời để bắt đầu thiết lập các giai điệu cho chủ đề đám cưới của bạn là để phù hợp với trang web của bạn để lời mời của bạn. Dưới đây là 5 ví dụ thú vị từ Storkie:


Có một đám cưới hiện đại? "Tình yêu bắt đầu nảy nở" truyền vào sự lãng mạn truyền thống của một thiết kế hoa với một bản cập nhật kiểu dáng đẹp. Đối với những người sử dụng màu tím như là một màu cưới, thiết kế này cũng đi kèm trong một sự kết hợp khó khăn để tìm thấy màu đen và tím.


"Bồ công anh" là thiết kế hoàn hảo cho một đám cưới retro. Có sẵn trong 3 tươi sáng, màu cam quýt "bồ công anh" là một cách vui vẻ thông báo tất cả các khách thú vị sẽ có vào ngày đặc biệt của bạn!


Nếu bạn đang có một đám cưới khu vườn truyền thống, "Cánh hoa Delightful" là một yêu thích! Tôi yêu những màu sắc trên, nhưng nếu bạn đang tìm kiếm một bảng màu preppier, nó cũng đi kèm trong một thực sự ngọt ngào màu hồng và màu xanh lá cây.


Đối với các cặp vợ chồng thích đi xe đạp, hoặc chỉ một ít hay thay đổi, nó không có được dễ thương hơn "Love the Tandem" thiết kế.


Bãi biển điểm đến đám cưới? "Tropical Paradise" phù hợp với chủ đề của bất kỳ đám cưới, cho dù ở Hawaii, hoặc chỉ có trong tinh thần. Kể cho bạn bè của bạn về tất cả những niềm vui luau với thiết kế này ấm áp.

Để xem tất cả các thiết kế trang web miễn phí của đám cưới Storkie, đi đây.

Tự làm dự án: Làm thế nào để một chuỗi Daisy Chelsea tại Frolic

Tự làm dự án: Làm thế nào để một chuỗi Daisy Chelsea tại Frolic




Dịch vụ cưới
Dưới đây là một số lời khuyên về việc làm thế nào để làm cho thời thơ ấu nghề yêu thích công việc này cho một đám cưới! Những vòng hoa xinh đẹp này có thể được sử dụng như là vương miện hoa cho cô dâu, phù dâu, hoặc trẻ em gái hoa hoặc là centerpieces, trang trí ghế, hoặc rải rác ở sảnh tiếp khách của bạn. Chi phí là khoảng $ 10 mỗi 3 chân vòng hoa.



vật tư:

Daisy hoa cúc

Clippers hoặc cắt hộp

Floral băng (tùy chọn)

cel lo phan



Chỉ Dẫn:
Clip này xuất phát ngắn hay dài hơn tùy thuộc vào cách đầy đủ, bạn muốn vòng hoa. Ngắn đầy đủ, cho thêm thưa thớt.
Thực hiện một khe ở thân của mỗi daisy với một máy cắt hộp hoặc móng tay của bạn.
Nối chúng lại với nhau bởi poking mỗi gốc thông qua khe để hoa dựa trên thân.
An toàn với băng hoa nếu cần thiết.
Xịt nước, quấn vòng hoa trong giấy bóng kính và giữ trong tủ lạnh qua đêm.


Lời khuyên: Bạn phải sử dụng hoa cúc daisy trong đó có sẵn thông qua các cửa hàng tạp hóa và bán hoa. Hoa dại hoặc hoa cúc Marguerite không sẽ nắm giữ lên. Ngày hôm trước hoặc sáng.

Mua: Bất kỳ người bán hoa trong thư mục mywedding.com có thể giúp bạn.



Oh, làm thế nào chúng ta yêu Frolic! Blog của cảm hứng hàng ngày của Chelsea luôn luôn là chock đầy đủ các ý tưởng khá cảm thấy nỗ lực và sang trọng. Vì vậy, chúng tôi rất hạnh phúc vì cô được đăng DIY dự án được dễ dàng để làm trong khi đóng gói một cú đấm lớn.

Tự làm dự án: Đơn giản chỉ cần đẹp Dendrobium Orchid Bouquet của Chelsea tại Frolic!

Tự làm dự án: Đơn giản chỉ cần đẹp Dendrobium Orchid Bouquet của Chelsea tại Frolic!



Dịch vụ cưới

Đối với một sạch và hiện đại trên hoa nhiệt đới, làm cho bó hoa phong lan Dendrobium đáng yêu này. Hình dạng này hoạt động tuyệt vời với một vỏ phong cách, ăn mặc đơn giản hiện đại,. Tổng chi phí: $ 50



Bạn sẽ cần:

10 cành hoa lan Dendrobium

hoa cắt

quanh co

băng

kéo

gương



1. Lay thân dài nhất trên một bề mặt.

2. Thêm hoa lá, để lại là ngắn nhất cho qua.



3. Đảm bảo với sợi xe.

4. Giữ bó hoa ở phía trước gương, để chắc chắn rằng đó là hình dạng mà bạn thích. Gương là cách tốt nhất để xem quan điểm đúng.

5. Điều chỉnh bất kỳ hoa bạn cần.


6. Thêm một dải ruy băng.



Giữ hoa ở nhiệt độ phòng. Giữ chúng trong nước cho đến khi bạn đã sẵn sàng để sử dụng chúng!



Tận hưởng!



Oh, làm thế nào chúng ta yêu Frolic! Blog của cảm hứng hàng ngày của Chelsea luôn luôn là chock đầy đủ các ý tưởng khá cảm thấy nỗ lực và sang trọng. Vì vậy, chúng tôi rất hạnh phúc vì cô được đăng DIY dự án được dễ dàng để làm trong khi đóng gói một cú đấm lớn.

Sự tiến triển từ Renaissance sớm đến Baroque

Sự tiến triển từ Renaissance sớm đến Baroque

Ở Ý, dường như có một sự tiến triển liền mạch từ kiến ​​trúc Phục hưng sớm thông qua Renaissance cao và người hay cầu kỳ với phong cách Baroque. Pevsner ý kiến ​​về tiền sảnh của Thư viện Laurentian rằng nó "thường được nói rằng các họa tiết của các bức tường cho thấy Michelangelo như là cha đẻ của Baroque".

Trong khi liên tục có thể là trường hợp ở Ý, nó không nhất thiết phải là trường hợp ở nơi khác. Việc áp dụng các phong cách kiến ​​trúc phục hưng của chậm ở một số khu vực hơn so với những người khác, có thể được nhìn thấy ở Anh, ví dụ. Thật vậy, như Đức Giáo Hoàng Julius II đã có Vương Cung Thánh Đường Thánh Phêrô cổ bị phá bỏ để làm đường mới, Henry VII của Anh đã được thêm một nhà nguyện vinh quang mới trong phong cách Gothic vuông góc Westminster Abbey.

Tương tự như vậy, phong cách mà đã trở thành được biết đến như Baroque phát triển ở Ý vào đầu thế kỷ 17, vào khoảng thời gian mà các tòa nhà Renaissance đầy đủ đầu tiên được xây dựng tại Greenwich và Whitehall ở Anh, [30] sau khi một thời gian dài thử nghiệm với cổ điển các họa tiết được áp dụng cho các hình thức kiến ​​trúc địa phương, hoặc ngược lại, thông qua các hình thức cấu trúc Renaissance theo nghĩa rộng nhất với sự vắng mặt của các công thức điều chỉnh việc sử dụng chúng. Trong khi người Anh đã phát hiện ra các quy tắc của kinh điển, người Ý đã được thử nghiệm với các phương pháp phá vỡ chúng. Ở Anh, sau sự phục hồi nền quân chủ vào năm 1660, khí hậu kiến ​​trúc thay đổi, và hương vị di chuyển theo hướng của Baroque. Thay vì phát triển, như nó đã làm ở Ý, đến đầy đủ.

Theo cách tương tự, trong phần nhiều của châu Âu có các tòa nhà vài hoàn toàn cổ điển và ra lệnh như Brunelleschi của Santo Spirito và Michelozzo của Medici Riccardi Palace, kiến ​​trúc Barôc xuất hiện gần như không được báo trước, trên những đôi giày cao gót của một phong cách địa phương Proto-Renaissance. [31] Sự lây lan của Baroque và thay thế của kiến ​​trúc Phục hưng truyền thống và bảo thủ hơn là đặc biệt rõ ràng trong việc xây dựng nhà thờ là một phần của các cải cách truy cập. [23]

Không tự nhiên - phong thái phục hưng

Không tự nhiên
Bài chi tiết: không tự nhiên

Không tự nhiên trong kiến ​​trúc được đánh dấu bằng rộng rãi phân kỳ xu hướng trong công việc của Michelangelo, Giulio Romano, Baldassare Peruzzi và Andrea Palladio, dẫn với phong cách Baroque, trong đó vốn từ vựng cùng một kiến ​​trúc được sử dụng cho những lời lẽ rất khác nhau.

Palazzo Massimo alle Colonne.
[Sửa]
Peruzzi

Baldassare Peruzzi, (1481-1536), là một kiến ​​trúc sư sinh ra ở Siena, nhưng làm việc tại Rome, có công việc lấp Renaissance cao và người hay cầu kỳ. Villa Farnesina ông của 1509 là một khối lập phương tượng đài rất thường xuyên của hai câu chuyện bình đẳng, những vịnh được khớp nối mạnh mẽ bởi các đơn đặt hàng của pilasters. Tòa nhà là bất thường cho tường frescoed của nó [14].

Tác phẩm nổi tiếng nhất của Peruzzi là Palazzo Massimo alle Colonne ở Rome. Các tính năng khác thường của tòa nhà này là mặt tiền của nó đường cong nhẹ nhàng xung quanh một đường cong. Nó có ở tầng trệt của một hiên tối trung tâm chạy song song với đường phố, nhưng như là một không gian kín bán, chứ không phải là một lôgia mở. Ở trên này tăng ba không phân biệt tầng, phía trên hai giống hệt cửa sổ nhỏ ngang trong khung mỏng phẳng tương phản lạ lùng với hiên sâu, đã được phục vụ, từ thời điểm xây dựng của nó, như là một nơi trú ẩn cho người nghèo của thành phố. [23]

 Palazzo Te
[Sửa]
Giulio Romano

Giulio Romano (1499-1546), là một học trò của Raphael, giúp ông trên các công trình khác nhau cho Vatican. Romano cũng là một nhà thiết kế sáng tạo cao, làm việc cho Federico II Gonzaga tại Mantua trên Te Palazzo, (1524-1534), một dự án mà kết hợp các kỹ năng của mình như là nhà điêu khắc, kiến ​​trúc sư và họa sĩ. Trong tác phẩm này, kết hợp với các hang động khu vườn và các bức bích họa rộng lớn, ông đã sử dụng hiệu ứng illusionistic, sự kết hợp đáng ngạc nhiên của các hình thức kiến ​​trúc và kết cấu, và sử dụng thường xuyên các tính năng mà dường như hơi không cân xứng hoặc ra khỏi vị trí. Hiệu quả tổng kỳ quái và đáng lo ngại. Ilan Rachum trích dẫn Romano là "một trong những quảng bá đầu tiên của không tự nhiên" [16].
[Sửa]
Michelangelo

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) là một trong những bộ óc sáng tạo có thành tích đánh dấu thời kỳ Phục hưng cao. Ông rất xuất sắc trong mỗi lĩnh vực hội họa và điêu khắc, kiến ​​trúc và các thành tựu của ông mang lại những thay đổi đáng kể trong từng khu vực. Kiến trúc nổi tiếng của ông nằm chủ yếu trong hai tòa nhà: nội thất của Thư viện Laurentian và tiền sảnh của nó tại tu viện của San Lorenzo tại Florence, và Nhà thờ St Peter ở Rome.

Thánh Phêrô là "sự sáng tạo vĩ đại nhất của thời kỳ Phục hưng", [14] và một số lượng lớn các kiến ​​trúc sư đóng góp kỹ năng của họ với nó. Nhưng tại hoàn thành, đã có nhiều thiết kế của Michelangelo hơn của bất kỳ kiến ​​trúc sư khác, trước hoặc sau khi anh ta.

 Nhà thờ St Peter

St Peter

Kế hoạch đã được chấp nhận ở việc đặt viên đá đầu năm 1506 là do Bramante. Thay đổi khác nhau trong kế hoạch xảy ra trong loạt kiến ​​trúc sư mà đã thành công anh ta, nhưng Michelangelo, khi ông mất trên dự án năm 1546, trở lại kế hoạch Hy Lạp-cross Bramante của và thiết kế lại các cầu cảng, các bức tường và mái vòm, cho các thấp hơn trọng lượng-mang thành viên lớn tỷ lệ và loại bỏ các lối đi bao quanh từ thánh điện và cánh tay cánh ngang giống hệt nhau. Helen Gardner nói: "Michelangelo, với một vài nét bút, chuyển đổi phức tạp của nó bông tuyết vào một sự thống nhất lớn, gắn kết". [18]

Mái vòm của Michelangelo là một kiệt tác sử dụng thiết kế hai vỏ nề, một trong khác và đăng quang một chiếc đèn lồng khổng lồ hỗ trợ, tại Florence, trên xương sườn. Đối với bên ngoài của tòa nhà, ông đã thiết kế một đơn đặt hàng khổng lồ trong đó xác định mỗi bay bên ngoài, toàn bộ lô được tổ chức với nhau bằng một cornice rộng mà chạy không gián đoạn giống như một dải ruy băng loang xung quanh toàn bộ tòa nhà.

Có một mô hình bằng gỗ của mái vòm, cho thấy lớp vỏ bên ngoài của nó như là bán cầu. Khi Michelangelo qua đời năm 1564, việc xây dựng đã đạt đến đỉnh cao của trống. Các kiến ​​trúc sư đã thành công Michelangelo là Giacomo della Porta. Mái vòm, như xây dựng, có một sự phóng chiếu hơn nhiều so với các mái vòm của mô hình. Nó thường được giả định rằng nó là della Porta ai đã thực hiện thay đổi này để thiết kế, để làm giảm lực đẩy ra ngoài. Tuy nhiên, trên thực tế nó là chưa biết đó là ai đã làm cho sự thay đổi này, và bình đẳng có thể, và khả năng xảy ra một phong cách mà người quyết định đề cương năng động hơn là Michelangelo chính mình, tại một số thời gian trong những năm mà ông giám sát dự án. [25]

 Tiền sảnh của Thư viện Laurentian

Laurentian Thư viện

Michelangelo là người hay cầu kỳ nhất của mình trong thiết kế của các tiền sảnh của các Thư viện Laurentian, cũng được xây dựng bởi anh ta đến nhà các bộ sưu tập Medici sách tại các tu San Lorenzo ở Florence, các San cùng Lorenzo là mà tại đó Brunelleschi đã đúc lại nhà thờ kiến ​​trúc thành một khuôn cổ điển và công thức rõ ràng được thiết lập cho việc sử dụng của các đơn đặt hàng cổ điển và các thành phần khác nhau của họ.

Michelangelo mất tất cả các thành phần của Brunelleschi và uốn cong chúng theo ý muốn của mình. Thư viện là tầng trên. Đó là một tòa nhà thấp lâu dài với trần nhà bằng gỗ trang trí công phu, tầng phù hợp và đông đúc với corrals hoàn thành kế nhiệm theo thiết kế của Michelangelo. Nhưng đó là một phòng ánh sáng, ánh sáng tự nhiên chiếu xuyên qua một dãy dài các cửa sổ xuất hiện đầy tích cực giữa thứ tự của pilasters diễu hành dọc theo tường. Tiền phòng, mặt khác, cao hơn, cao hơn hơn là rộng và đông đúc bởi một cầu thang lớn đổ ra khỏi thư viện trong những gì Pevsner đề cập đến như là một "dòng chảy của nham thạch", và vụ nổ theo ba hướng khi nó đáp ứng lan can hạ cánh. Đó là một cầu thang đáng sợ, làm nhiều hơn như vậy bởi vì sự gia tăng của cầu thang ở trung tâm là dốc hơn ở hai bên, phù hợp chỉ có tám bước vào không gian chín.

Không gian là đông đúc và nó được dự kiến ​​rằng không gian bức tường sẽ được chia pilasters chiếu thấp. Nhưng Michelangelo đã chọn để sử dụng các cột kết nối, các, thay vì đứng ra mạnh dạn từ tường, ông đã chìm sâu vào hốc bên trong các bức tường của chính nó. Trong nhà thờ San Lorenzo ở gần đó, Brunelleschi sử dụng khung di chuyển giao diện điều khiển ít để phá vỡ đường dây mạnh mẽ ngang của khóa học trên arcade. Michelangelo đã vay mượn mô típ Brunelleschi và đứng mỗi cặp cột bị chìm trên một cặp sinh đôi khung giao diện điều khiển. Pevsner nói "Laurenziana ... cho thấy không tự nhiên trong hình thức kiến ​​trúc tuyệt vời nhất". [23] [26]

 Il Gesù, được thiết kế bởi Giacomo della Porta.
[Sửa]
Giacomo della Porta

Giacomo della Porta, (c.1533-1602), nổi tiếng là kiến ​​trúc sư thực hiện các mái vòm của Nhà thờ St Peter là một thực tế. Đã mang lại sự thay đổi trong phác thảo giữa mái vòm như nó xuất hiện trong mô hình và mái vòm như nó được xây dựng, đầu cơ là liệu những thay đổi nguồn gốc với della Porta hoặc với Michelangelo mình.

Della Porta đã dành gần như tất cả cuộc đời làm việc của mình ở Rome, thiết kế biệt thự, Palazzi và nhà thờ theo phong cách người hay cầu kỳ. Một trong những tác phẩm nổi tiếng nhất của ông là mặt tiền của Giáo Hội của Gesù, một dự án mà ông thừa hưởng từ giáo viên của ông Jacopo Barozzi da Vignola. Hầu hết các đặc điểm của thiết kế ban đầu được duy trì, tinh tế chuyển đổi sẽ chú ý hơn đến phần trung tâm, nơi della Porta sử dụng, trong số những họa tiết khác, trán tường hình tam giác thấp phủ lên trên một đoạn phía trên cửa chính. Tầng trên và trán tường của nó cung cấp cho các ấn tượng nén một thấp hơn. Phần trung tâm, giống như của Sant'Andrea tại Mantua, được dựa trên Khải, nhưng có hai bộ phận rõ ràng ngang như Santa Maria Novella. Xem Alberti ở trên. Các vấn đề của liên kết các lối đi gian giữa được giải quyết bằng cách sử dụng cuộn Alberti, trái ngược với giải pháp của Vignola cung cấp dấu ngoặc nhỏ hơn nhiều và bốn bức tượng đứng trên pilasters cặp, trực quan đè các góc của tòa nhà. Sự ảnh hưởng của thiết kế có thể được nhìn thấy trong các nhà thờ Baroque khắp châu Âu.
[Sửa]
Andrea Palladio

Villa Capra La Rotonda

Andrea Palladio, (1508-1580), "kiến trúc sư có ảnh hưởng nhất của thời Phục hưng", [14], như một người xây mộ, giới thiệu để nhân đạo chủ nghĩa bởi nhà thơ Trissino Giangiorgio. Kiến trúc lớn đầu tiên của ông hoa hồng là việc xây dựng lại các Palladiana Basilica tại Vicenza, trong Veneto, nơi ông đã làm việc phần lớn cuộc sống của mình. [16]

Palladio là để biến đổi phong cách kiến ​​trúc của cả hai cung điện và nhà thờ bằng cách lấy một quan điểm khác nhau về khái niệm kinh điển. Trong khi các kiến ​​trúc sư của Florence và Rome nhìn cấu trúc giống như Đấu trường La Mã và Arch của Constantine để cung cấp các công thức, Palladio nhìn vào ngôi đền cổ điển với mẫu hàng cột bao quanh nhà đơn giản của họ. Khi ông đã sử dụng các motif "khải hoàn" của một mở cong lớn với vuông mở đứng đầu thấp hơn ở hai bên, ông luôn áp dụng nó trên một quy mô nhỏ, như cửa sổ, chứ không phải là trên một quy mô lớn như Alberti sử dụng nó ở Sant ' Andrea. Motif La Mã cổ đại này [27] thường được gọi là Arch Palladian.

Các tốt nhất được biết đến của các tòa nhà trong nước Palladio của là Villa Capra, nếu không được biết đến như "la Rotonda", một nhà kế hoạch tập trung với một hội trường trung tâm mái vòm và 4 mặt tiền giống hệt nhau, mỗi một hiên chùa-như như các Pantheon ở Rome. [28 Tại Villa Cornaro, hàng hiên dự án mặt tiền phía bắc và lôgia lõm ở mặt tiền vườn có hai câu chuyện ra lệnh, phía trên tạo thành một ban công. [29]

Giống như Alberti, della Porta và những người khác, trong các thiết kế của một mặt tiền nhà thờ, Palladio đã phải đối mặt bởi các vấn đề của thị giác liên kết trên các lối đi gian giữa trong khi vẫn duy trì và xác định cấu trúc của tòa nhà. Giải pháp của Palladio là hoàn toàn khác nhau từ làm việc della Porta. Tại nhà thờ San Giorgio Maggiore ở Venice, ông phủ lên một ngôi đền cao, các cột của nó lớn lên trên plinths cao, trên một mặt tiền ngôi đền thấp rộng, các cột của nó tăng từ tầng hầm và cây ngang hẹp và pilasters xuất hiện phía sau để khổng lồ của gian giữa trung ương [14].

Sự lây lan của thời kỳ Phục hưng ở Ý

Sự lây lan của thời kỳ Phục hưng ở Ý

Scuola Grande di San Marco, Venice.

Vào thế kỷ 15, các tòa án của một số tiểu bang khác của Ý đã trở thành trung tâm lan rộng của triết học, nghệ thuật và kiến ​​trúc Phục hưng.

Mantua tại tòa án của Gonzaga, Alberti thiết kế hai nhà thờ, Vương Cung Thánh Đường Sant'Andrea và San Sebastiano.

Urbino là một trung tâm quan trọng với một tước cung điện mới được xây dựng ở đó. Ferrara, dưới Este, đã được mở rộng ở cuối thế kỷ thứ mười lăm, với những cung điện mới được xây dựng như Palazzo dei Diamanti và Palazzo Schifanoia cho Borso d'Este. Ở Milan, theo Visconti, Certosa di Pavia được hoàn thành, và sau đó theo Sforza, Castello Sforzesco được xây dựng [14].

Tại Venice, San Zaccaria nhận được mặt tiền Renaissance tay của Antonio Gambello và Mauro Codussi, bắt đầu từ trong 1480s [24]. Giovanni Maria Falconetto, Veronese kiến ​​trúc sư-nhà điêu khắc, giới thiệu Renaissance kiến ​​trúc đến Padua với Cornaro Loggia trong vườn Alvise Cornaro.

Ở miền nam Italy, các bậc thầy thời Phục hưng được gọi là Naples của Alfonso V của Aragon sau khi chinh phục Vương quốc Naples. Các ví dụ đáng chú ý nhất của kiến ​​trúc Renaissance tại thành phố đó là Caracciolo Cappella, do Bramante, và Palazzo Orsini di Gravina, được xây dựng bởi Gabriele d'Angelo giữa 1513 và 1549.
[Sửa]
Cao Renaissance

Trong các kiến ​​trúc sư vào cuối thế kỷ 15 và đầu thế kỷ 16 như Bramante, Antonio da Sangallo những người khác trẻ hơn và cho thấy một chủ của phong cách hồi sinh và khả năng áp dụng nó cho các tòa nhà như nhà thờ và thành phố palazzo đó là khá khác nhau từ cấu trúc của cổ lần. Các phong cách đã trở thành trang trí và trang trí, tượng tạc, mái vòm và vòm nhà trở nên rất rõ ràng. Thời gian kiến ​​trúc được biết đến như "High Renaissance" và trùng hợp với tuổi của Leonardo, Michelangelo và Raphael.
[Sửa]
Bramante

 Santa Maria delle Grazie, Milan.

Donato Bramante, (1444-1514), sinh tại Urbino và quay từ hội họa đến kiến ​​trúc, việc tìm kiếm sự bảo trợ quan trọng đầu tiên của mình dưới Ludovico Sforza, công tước của Milan, những người mà ông sản xuất một số tòa nhà hơn 20 năm. Sau sự sụp đổ của Milan với người Pháp vào năm 1499, Bramante đi du lịch đến Rome, nơi ông đã đạt được thành công lớn dưới sự bảo trợ của Đức Thánh Cha. [16]

Bramante thành tựu kiến ​​trúc tốt nhất ở Milan Ngoài ra qua và dàn hợp xướng nhà thờ tu viện Santa Maria delle Grazie (Milan). Đây là một cấu trúc bằng gạch, hình thức trong đó nhờ vào truyền thống Ý phía Bắc baptisteries vuông mái vòm. Việc xây dựng mới gần như là kế hoạch tập trung, ngoại trừ, bởi vì của trang web, thánh điện mở rộng hơn nữa hơn so với cánh tay cánh ngang. Những mái vòm hình bán cầu, khoảng 20 mét trên tăng lên ẩn bên trong một trống hình bát giác đâm ở mức cao với mở cong cổ điển. Bên ngoài đã mô tả chi tiết trang trí với các đồ trang trí bằng đất nung địa phương.

Tại Rome Bramante tạo ra những gì đã được mô tả là "một viên ngọc kiến ​​trúc hoàn hảo", [14] các Tempietto trong Cloister of San Pietro in Montorio. Ngôi đền này tròn nhỏ đánh dấu nơi mà Thánh Phêrô đã chịu tử đạo và do đó các nơi linh thiêng nhất ở Rome. Tòa nhà thích nghi phong cách rõ ràng trong phần còn lại của ngôi đền Vesta, các nơi linh thiêng nhất của La Mã cổ đại. Nó được bao bọc bởi và độ tương phản không gian với các tu viện trong đó bao quanh nó. Tiếp cận từ tu viện, như trong hình trên, nó được đóng khung bởi một vòm và cột, hình dạng trong số đó được lặp lại trong hình thức miễn phí-đứng của nó.

Bramante tiếp tục làm việc tại Vatican, nơi ông thiết kế Cortili ấn tượng của Thánh Damaso và của Belvedere. Năm 1506 Bramante thiết kế cho xây dựng lại Giáo hoàng Julius II của Vương Cung Thánh Đường Thánh Phêrô đã được chọn, và đặt viên đá đầu. Sau cái chết và nhiều thay đổi kế hoạch của Bramante, Michelangelo, là kiến ​​trúc sư trưởng, trở lại là một cái gì đó gần gũi hơn với đề xuất ban đầu của Bramante. Xem dưới đây Michelangelo [14].
[Sửa]
Sangallo

 The Palazzo Farnese, Rome (1534-1545). Được thiết kế bởi Sangallo và Michelangelo.

Sangallo Antonio da Younger, (1485-1546), là một trong một gia đình của các kỹ sư quân sự. Chú của ông, Giuliano da Sangallo là một trong những người đã đệ trình một kế hoạch cho việc xây dựng lại St Peter và đã nhanh chóng đồng giám đốc của dự án, với Raphael. [16]

Antonio da Sangallo cũng đệ trình một kế hoạch cho St Peter và trở thành kiến ​​trúc sư trưởng sau khi cái chết của Raphael, để được thành công mình của Michelangelo.

Danh tiếng của ông không nghỉ ngơi khi Hiệp Hội của ông với St của Peter nhưng trong xây dựng của mình của các Palace Farnese, "các cung điện vĩ đại nhất của thời kỳ này", bắt đầu năm 1530. [14] Các ấn tượng của grandness nằm một phần trong kích thước tuyệt đối của nó, (56 m dài 29,5 m cao) và ở vị trí cao quý đó nhìn ra một quảng trường rộng lớn. Nó cũng là một tòa nhà của tỷ lệ đẹp, bất thường đối với một ngôi nhà lớn và sang trọng của ngày đã được xây dựng chủ yếu gạch stuccoed, chứ không phải là đá. Chống lại các bức tường màu hồng rửa sạch mịn các quoins đá các góc, cổng thông tin lớn rusticated và sự lặp lại oai vệ của tinh cửa sổ chi tiết cung cấp cho một hiệu ứng mạnh mẽ, thiết lập một tiêu chuẩn mới sang trọng trong việc xây dựng cung điện. Trên một trong ba sàn kích thước bằng nhau đã được bổ sung bởi Michelangelo. Nó có lẽ là chỉ là tốt tòa nhà này ấn tượng là gạch travertine cho các chi tiết kiến ​​trúc của nó không phải đến từ một mỏ đá, nhưng từ Đấu trường La Mã [14].
[Sửa]
Raphael

Raphael, (1483-1520), Urbino, được đào tạo theo Perugino tại Perugia trước khi chuyển đến Florence, trong một thời gian kiến ​​trúc sư trưởng cho Thánh Phêrô, làm việc kết hợp với Antonio Sangallo. Ông cũng thiết kế một số tòa nhà, hầu hết trong số đó đã được hoàn thành bởi những người khác. Duy nhất công việc có ảnh hưởng nhất của ông là Pandolfini Palazzo ở Florence với hai câu chuyện của các cửa sổ khớp nối mạnh mẽ của một loại "nhà tạm", mỗi bộ xung quanh với pilasters ra lệnh, cornice và trán tường cong và hình tam giác thay thế [14].

Phát triển của kiến ​​trúc Phục hưng ở Ý - Early Renaissance

Phát triển của kiến ​​trúc Phục hưng ở Ý - Early Renaissance
Brunelleschi

Ospedale degli Innocenti ở Florence.

Người thường có mang lại quan điểm kiến ​​trúc phục hưng của Filippo Brunelleschi, (1377-1446). [19] Các tính năng cơ bản của công việc của Brunelleschi là "trật tự".

Trong đầu thế kỷ 15, Brunelleschi bắt đầu nhìn thế giới để xem những gì các quy tắc là cách nhìn nhận rằng một quản. Ông quan sát thấy rằng một cách nhìn thấy cấu trúc thường xuyên như Baptistery của Florence và vỉa hè lát gạch xung quanh nó theo một quan điểm tự tuyến tính toán học.

Các tòa nhà còn lại trong đống đổ nát của thành Rome cổ đại xuất hiện tôn trọng một trật tự toán học đơn giản trong cách mà các tòa nhà Gothic không. Một bàn cãi quy tắc chi phối tất cả các kiến ​​trúc La Mã cổ đại vòm hình bán nguyệt là chính xác gấp đôi chiều rộng nó là cao. Một tỷ lệ cố định với những tác động của cường độ như vậy xảy ra không nơi nào trong kiến ​​trúc Gothic. Một vòm chỉ Gothic có thể được mở rộng lên trên hoặc phẳng để tỷ lệ bất kỳ phù hợp với vị trí. Arches của các góc độ khác nhau thường xuyên xảy ra trong cùng một cấu trúc. Không có quy tắc tập hợp các tỷ lệ áp dụng.

 Những mái vòm của Vương Cung Thánh Đường Santa di Maria del Fiore

Từ những quan sát về kiến ​​trúc của Rome đến một mong muốn cho đối xứng và tỷ lệ cẩn thận, trong đó hình thức và thành phần của tòa nhà như một toàn thể và tất cả các chi tiết công ty con của nó có mối quan hệ cố định, mỗi phần tương ứng với tỷ lệ tiếp theo, và các tính năng kiến ​​trúc phục vụ để xác định chính xác những gì những quy tắc tỷ lệ [20]. Brunelleschi được sự hỗ trợ của một số khách hàng quen giàu có Florentine, bao gồm Silk Guild và Cosimo de 'Medici.

Florence Cathedral

 Nhà thờ San Lorenzo

Đầu tiên của Brunelleschi lớn kiến ​​trúc hoa hồng cho các mái vòm gạch khổng lồ bao gồm các trung tâm không gian của nhà thờ Florence, được thiết kế bởi Arnolfo di CAMBIO trong thế kỷ 14 nhưng lại unroofed. Trong khi thường được mô tả như là tòa nhà đầu tiên của thời kỳ Phục Hưng, Brunelleschi thiết kế táo bạo sử dụng các kiến ​​trúc Gothic nhọn và xương sườn Gothic dường như kế hoạch của Arnolfio. Có vẻ như nhất định, tuy nhiên, trong khi phong cách Gothic, trong việc giữ với việc xây dựng nó surmounts, mái vòm là trong thực tế, cấu trúc chịu ảnh hưởng của mái vòm vĩ đại của Ancient Rome, Brunelleschi khó có thể bỏ qua trong việc tìm kiếm một giải pháp. Đây là mái vòm của Pantheon, một ngôi đền hình tròn, một nhà thờ.

Bên trong mái vòm bê tông của Pantheon vỏ duy nhất là coffering mà rất nhiều làm giảm trọng lượng. Các phân vùng theo chiều dọc của các coffering phục vụ hiệu quả như xương sườn, mặc dù tính năng này không thống trị trực quan. Ở đỉnh của mái vòm của Pantheon là một mở cửa, 8 mét trên. Brunelleschi là nhận thức được rằng một mái vòm của tỷ lệ rất lớn trong thực tế, có thể được thiết kế mà không có một yếu tố quyết định. Những mái vòm ở Florence được hỗ trợ bởi tám xương sườn và những người lớn hơn nội bộ 16 giữ một vỏ gạch, với những viên gạch được sắp xếp một cách xương cá. Mặc dù các kỹ thuật sử dụng khác nhau, trong thực tế cả hai mái vòm bao gồm một mạng lưới dày xương sườn hỗ trợ bồi đắp rất nhẹ và mỏng hơn. Và cả hai đều có một lỗ lớn ở đầu trang [14].

San Lorenzo triết học kiến ​​trúc mới được chứng minh trong các nhà thờ San Lorenzo, và Santo Spirito ở Florence. Thiết kế bởi Brunelleschi trong khoảng 1425 và 1428 tương ứng, cả hai đều có hình dạng của thập giá Latin. Mỗi người có một kế hoạch mô-đun, mỗi phần là một bội số của vịnh vuông của lối đi. Cùng một công thức này kiểm soát các kích thước đứng. Trong trường hợp của Santo Spirito, đó là hoàn toàn bình thường trong kế hoạch, transepts và thánh điện giống hệt nhau, trong khi gian giữa là một phiên bản mở rộng của các. Năm 1434 Brunelleschi thiết kế tòa nhà Renaissance đầu tiên kế hoạch tập trung, Santa Maria degli Angeli của Florence. Nó bao gồm một hình bát giác trung tâm bao quanh bởi một mạch tám nhà nguyện nhỏ hơn. Từ ngày này trở đi rất nhiều nhà thờ được xây dựng trong các biến thể của những thiết kế này [21].
[Sửa]
Michelozzo

 Palazzo Medici Riccardi bởi Michelozzo.

Michelozzo Michelozzi (1396-1472), là một kiến ​​trúc sư dưới sự bảo trợ của gia đình Medici, tác phẩm nổi tiếng nhất của ông là Palazzo Medici Riccardi, mà ông được giao nhiệm vụ thiết kế cho Cosimo de 'Medici 1444. Một thập kỷ sau, ông đã xây dựng Villa Medici tại Fiesole. Trong số các tác phẩm khác của ông cho Cosimo là thư viện tại Tu viện San Marco, Florence. Ông đã đi vào lưu vong ở Venice trong một thời gian với người bảo trợ của mình. Ông là một trong những kiến ​​trúc sư đầu tiên làm việc theo phong cách thời Phục hưng bên ngoài nước Ý, xây dựng một cung điện tại Dubrovnik. [16]

The Palazzo Medici Riccardi là cổ điển ở các chi tiết của các cửa sổ và cửa ra vào recessed pedimented, nhưng, không giống như các tác phẩm của Brunelleschi và Alberti, không có đơn đặt hàng của các cột trong bằng chứng. Thay vào đó, Michelozzo đã tôn trọng ý thích của Florentine cho đá rusticated. Ông dường như đã tạo ra ba đơn đặt hàng trong ba định nghĩa mức độ rusticated, toàn bộ được vượt qua bằng cách cornice kiểu La Mã to lớn mà chìa ra ngoài qua đường 2,5 m [14].
[Sửa]
Alberti

Leon Battista Alberti, sinh ra ở Genoa (1402-1472), là một lý thuyết nhân văn quan trọng và nhà thiết kế có cuốn sách về kiến ​​trúc De lại Aedificatoria là có ảnh hưởng lâu dài. Một khía cạnh nghĩa nhân văn là một sự nhấn mạnh của giải phẫu của thiên nhiên, hình thức cụ thể của con người, một khoa học đầu tiên nghiên cứu những người Hy Lạp cổ đại. Nghĩa nhân văn con người là thước đo của sự vật. Alberti nhận thức các kiến ​​trúc sư là một người có trách nhiệm xã hội. [16]

Sant'Andrea, Mantua, mặt tiền. Photo-Frode Inge Helland

Ông đã thiết kế một số tòa nhà, nhưng không giống như Brunelleschi, ông đã không nhìn thấy mình là một người xây dựng trong một ý nghĩa thiết thực và như vậy rời khỏi sự giám sát của công việc cho người khác. Thật kỳ diệu, một trong các mẫu thiết kế lớn nhất của ông, của Giáo Hội của Sant'Andrea trong Mantua, đã được đưa để hoàn thành với nhân vật của nó về cơ bản còn nguyên vẹn. Không phải như vậy nhà thờ San Francesco ở Rimini, xây dựng lại của một cấu trúc Gothic, trong đó, như Sant'Andrea, là để có một gợi nhớ mặt tiền của một khải hoàn Roman. Còn lại thật đáng buồn không đầy đủ. [16]

Sant'Andrea là một tòa nhà cực kỳ năng động mà không có và trong. Mặt tiền khải hoàn của nó được đánh dấu bằng sự tương phản cực. Chiếu của thứ tự của pilasters xác định các yếu tố kiến ​​trúc, nhưng về cơ bản không có chức năng là rất nông cạn. Điều này trái ngược với các kiến ​​trúc sâu lõm hổng mà làm cho một hiên rất lớn trước khi cửa chính. Kích thước của kiến ​​trúc này là trái ngược trực tiếp hai thấp vuông đứng đầu mở khung nó. Ánh sáng và bóng chơi đáng kể trên bề mặt của tòa nhà vì sự nông cạn của khuôn và độ sâu của hàng hiên của nó. Trong Alberti nội địa đã phân phát với gian giữa truyền thống và lối đi. Thay vào đó là một sự tiến triển chậm và hùng vĩ của vòm cao và cửa ra vào vuông thấp xen kẽ, lặp đi lặp lại motif "khải hoàn" của mặt đứng [22].

 Mặt tiền của Santa Maria Novella, 1456-70.

Hai của Alberti tòa nhà nổi tiếng tốt nhất là ở Florence, Rucellai Palazzo tại Santa Maria Novella. Đối với cung điện, Alberti áp dụng cho các đơn đặt hàng cổ điển của cột mặt tiền trên ba cấp độ, 1446-51. Tại Santa Maria Novella, ông được giao nhiệm vụ hoàn thành trang trí mặt tiền. Ông đã hoàn thành việc thiết kế vào năm 1456 nhưng công việc đã không được hoàn thành cho đến khi 1470.

Phần dưới của tòa nhà có hốc Gothic và trang trí bằng đá cẩm thạch nhiều màu điển hình. Có một cửa sổ mắt lớn ở cuối của gian giữa mà phải được đưa vào tài khoản. Alberti chỉ đơn giản là tôn trọng những gì đã được đã được đặt ra, và truyền thống Florentine cho đa màu cũng được thành lập tại Baptistery San Giovanni, việc xây dựng được sùng kính nhất trong thành phố. Trang trí, chủ yếu là đa màu đá cẩm thạch, chủ yếu là rất bằng phẳng trong tự nhiên, nhưng một loại trật tự được thành lập bởi các khoang thường xuyên và các họa tiết tròn lặp lại các hình dạng của cửa sổ tròn. [14] Lần đầu tiên, Alberti liên kết dưới mái nhà của lối đi gian giữa bằng cách sử dụng hai cuộn lớn. Đây là những trở thành một thiết bị Renaissance tiêu chuẩn để giải quyết vấn đề độ cao mái nhà khác nhau và cầu nối không gian giữa các bề mặt ngang và dọc. [23]

Zen Art

Ảnh hưởng trên sự phát triển của kiến ​​trúc Phục hưng ở Ý

Ý của thế kỷ 15, và thành phố Florence ở riêng, là thời kỳ Phục Hưng. Florence rằng phong cách kiến ​​trúc mới đã bắt đầu của nó, chứ không phải từ từ phát triển theo cách mà Gothic lớn của Romanesque, nhưng có ý thức đưa ra bởi các kiến ​​trúc sư đặc biệt những người tìm cách để làm sống lại thứ tự của "Golden Age" quá khứ. Phương pháp tiếp cận nghiên cứu kiến ​​trúc của cổ trùng hợp với sự phục hồi chung của việc học. Một số yếu tố ảnh hưởng trong việc đưa về.

 Baptistery Romanesque của Florence là đối tượng nghiên cứu quan điểm của Brunelleschi

Kiến trúc

Kiến trúc sư người Italy đã luôn luôn ưa thích hình thức đã được xác định rõ ràng và các thành viên cấu trúc bày tỏ mục đích của họ. [14] Nhiều tòa nhà Romanesque Tuscan chứng minh những đặc điểm này, như đã thấy trong Baptistery Florence và Pisa Cathedral.

Ý đã không bao giờ hoàn toàn thông qua phong cách kiến ​​trúc Gothic. Ngoài Nhà thờ Milan, phần lớn công việc của các nhà xây dựng của Đức, nhà thờ vài Ý cho thấy sự nhấn mạnh vào theo chiều dọc, trục cụm, gân của lá cây trang trí công phu và vòm gân phức tạp đặc trưng Gothic ở các bộ phận khác của châu Âu [14].

Sự hiện diện, đặc biệt là ở Rome, còn lại kiến ​​trúc cổ thể hiện phong cách cổ điển theo lệnh cung cấp một nguồn cảm hứng cho các nghệ sĩ tại một thời điểm khi triết lý cũng đã được chuyển hướng tới các cổ điển. [14]

Chính trị

Trong thế kỷ 15, Florence, Venice và Naples mở rộng quyền lực của mình thông qua nhiều khu vực bao quanh họ, làm cho phong trào của các nghệ sĩ có thể. Florence cho phép này có ảnh hưởng đáng kể nghệ thuật tại Milan, và thông qua Milan, Pháp.

Năm 1377, sự trở lại của Đức Giáo Hoàng từ Avignon và tái thành lập của tòa án của Giáo hoàng ở Rome, đã mang lại sự giàu có và tầm quan trọng đến thành phố đó, cũng như đổi mới trong tầm quan trọng của Đức Giáo Hoàng tại Ý, được tăng cường hơn nữa do Hội đồng Constance trong 1417. Đức Giáo Hoàng kế tiếp, đặc biệt là Julius II, 1503-13, đã tìm cách mở rộng quyền lực thời gian của Đức Giáo Hoàng trên khắp Italia. [15]

Thương mại

Trong thời Phục hưng đầu, biển kiểm soát Venice thương mại đối với hàng hóa từ phương Đông. Các thành phố lớn của miền Bắc Italy thịnh vượng thông qua thương mại với phần còn lại của châu Âu, Genoa cung cấp một cảng biển đối với hàng hóa của Pháp và Tây Ban Nha, Milan và Turin là trung tâm mậu dịch, và duy trì ngành công nghiệp kim loại đáng kể. Thương mại mang len từ Anh đến Florence, tọa lạc tại một vị trí lý tưởng trên sông để sản xuất vải tốt, ngành công nghiệp đó sự giàu có của nó được thành lập. Thống trị Pisa, Florence đã đạt được một cảng biển, và cũng duy trì sự thống trị của Genoa. Trong bầu không khí thương mại, một trong những gia đình đặc biệt hướng sự chú ý của họ từ thương mại để kinh doanh béo bở cho vay tiền. Medici đã trở thành các ngân hàng trưởng các hoàng tử của châu Âu, trở thành hầu như hoàng tử tự như họ đã làm như vậy, vì lý do của cả hai sự giàu có và ảnh hưởng. Dọc theo các tuyến đường thương mại, và do đó cung cấp một số bảo vệ lợi ích thương mại, di chuyển không chỉ hàng hóa mà còn các nghệ sĩ, các nhà khoa học và triết học. [15]

 Đức Giáo Hoàng Sixtus IV, 1477, người xây dựng nhà nguyện Sistine. Fresco bởi Melozzo da Forlì trong cung điện Vatican.

Tôn giáo

Sự trở lại của Đức Giáo Hoàng từ Avignon năm 1377 và nhấn mạnh kết quả mới về Rome là trung tâm của linh đạo Kitô giáo, mang lại sự bùng nổ trong việc xây dựng các nhà thờ ở Rome như đã không diễn ra trong gần một ngàn năm. Điều này bắt đầu vào giữa thế kỷ 15 và đã đạt được đà trong thế kỷ 16, đạt đỉnh điểm trong thời kỳ Baroque. Việc xây dựng nhà nguyện Sistine với đồ trang trí quan trọng đặc biệt của nó và xây dựng lại toàn bộ của St Peter, một trong những nhà thờ quan trọng nhất của Kitô Giáo, là một phần của quá trình này. [16]

Trong giàu cộng hòa Florence, động lực cho xây dựng nhà thờ là công dân hơn tinh thần. Nhà nước chưa hoàn thành của nhà thờ rất lớn dành riêng cho Đức Trinh Nữ Maria đã không có danh dự thành phố dưới sự bảo trợ của cô. Tuy nhiên, như các công nghệ và tài chính đã được tìm thấy để hoàn thành nó, mái vòm tăng đã làm tín dụng không chỉ đối với Đức Trinh Nữ, kiến ​​trúc sư và Giáo Hội nhưng cũng Signoria, Guild và các ngành của thành phố mà từ đó các nguồn nhân lực để xây dựng nó đã được rút ra. Những mái vòm lấy cảm hứng từ các công trình tôn giáo tiếp tục ở Florence.

 Bốn nhân văn triết học dưới sự bảo trợ của Medici: Marsilio Ficino, Cristoforo Landino, Angelo Poliziano và Demetrius Chalcondyles. Fresco bởi Domenico Ghirlandaio.

Thuộc về triết học

Sự phát triển của sách in, tái khám phá các tác phẩm cổ đại, việc mở rộng tiếp xúc chính trị và thương mại tìm kiếm thăm dò và khai thác của thế giới tăng tất cả các kiến ​​thức và mong muốn cho giáo dục. [14]

Đọc những triết lý mà không được dựa trên thần học Kitô giáo đã dẫn đến sự phát triển của chủ nghĩa nhân văn mà qua đó nó đã được rõ ràng rằng trong khi Thiên Chúa đã thành lập và duy trì trật tự trong vũ trụ, đó là vai trò của Người để thiết lập và duy trì trật tự trong xã hội. [17 ]

Dân sự

Cosimo de 'Medici the Elder, người đứng đầu của Ngân hàng Medici, tài trợ chương trình xây dựng dân. Di cảo chân dung bởi Pontormo.

Thông qua nghĩa nhân văn, niềm tự hào công dân và thúc đẩy hòa bình và trật tự dân sự đã được xem như là các dấu hiệu của quyền công dân. Điều này dẫn xây dựng các cấu trúc như Bệnh viện Brunelleschi của các Innocents với hàng cột thanh lịch của nó tạo thành một liên kết giữa các tòa nhà từ thiện và vuông các công và Thư viện các Laurentian nơi thu sách được thành lập bởi các Medici gia đình có thể được tham khảo ý kiến ​​của các học giả. [18]

Một số công trình của Giáo Hội xây dựng lớn cũng đã được ủy quyền, không phải bởi nhà thờ, nhưng các phường hội đại diện cho sự giàu có và sức mạnh của thành phố. Brunelleschi mái vòm tại Florence Cathedral, nhiều hơn bất cứ tòa nhà khác, thuộc về dân chúng bởi vì việc xây dựng trong tám phân đoạn đã đạt được bằng một khu vực khác nhau của thành phố. [14] [18]

Sự che chở

Như trong học viện Platonic của Athens, nó đã được nhìn thấy bởi những người hiểu biết nhân văn rằng những người có lợi ích của sự giàu có và giáo dục cần phải thúc đẩy việc theo đuổi học tập và tạo ra rất đẹp. Để kết thúc này, giàu có gia đình Medici Florence, Gonzaga Mantua, Farnese tại Rome, Sforzas Milan-tập hợp xung quanh những người học tập và khả năng, thúc đẩy các kỹ năng và tạo công ăn việc làm cho các nghệ sĩ và kiến ​​trúc sư tài năng nhất của ngày của họ [18].

Kiến trúc Lý thuyết

Thời Phục hưng, kiến ​​trúc đã trở thành không chỉ là một câu hỏi thực hành, nhưng cũng là một vấn đề để thảo luận lý thuyết. In ấn và đóng một vai trò lớn trong việc phổ biến các ý tưởng.
Luận đầu tiên về kiến ​​trúc là De lại aedificatoria (tiếng Anh: Nghệ thuật Xây dựng) Leon Battista Alberti trong 1450. Đó là một mức độ nào phụ thuộc vào Vitruvius architectura De ', một bản thảo được phát hiện vào năm 1414 trong một thư viện ở Thụy Sĩ. De lại aedificatoria trong 1485 đã trở thành in đầu tiên cuốn sách về kiến ​​trúc.
Sebastiano Serlio (1475 - c 1554) sản xuất các văn bản quan trọng tiếp theo, lượng đầu tiên xuất hiện tại Venice năm 1537, nó đã được hưởng "Regole Generali d'architettura [...]" (hoặc "Nội quy chung Kiến trúc") . Nó được gọi là "Sách Thứ tư" Serlio vì nó là thứ tư trong kế hoạch ban đầu của một luận trong bảy cuốn sách của Serlio. Trong tất cả, năm cuốn sách được xuất bản.
Năm 1570, Andrea Palladio (1508-1580) xuất bản tôi quattro Libri dell'architettura ("The Four Sách Kiến trúc") ở Venice. Cuốn sách này được in và chịu trách nhiệm đến một mức độ tuyệt vời để truyền bá những ý tưởng của thời Phục hưng thông qua châu Âu. Tất cả những cuốn sách này được dự định để được đọc và nghiên cứu không chỉ bởi các kiến ​​trúc sư, mà còn bởi khách hàng quen.

Đặc điểm kiến ​​trúc của thời Phục hưng

Các tính năng phân biệt rõ ràng của kiến ​​trúc La Mã cổ điển đã được thông qua bởi các kiến ​​trúc sư Renaissance. Tuy nhiên, các hình thức và mục đích của các tòa nhà đã thay đổi theo thời gian, như cấu trúc của thành phố. Trong số các tòa nhà đầu tiên của Cổ Điển tái sinh là nhà thờ của một loại người La Mã đã không bao giờ được xây dựng. Không có mô hình cho các loại nhà ở thành phố lớn theo yêu cầu của thương nhân giàu có của thế kỷ 15. Ngược lại, có là không có cuộc gọi cho các đồ đạc tiện nghi thể thao lớn và nhà tắm công cộng, chẳng hạn như người La Mã đã xây dựng. Các đơn đặt hàng cổ đại được phân tích và xây dựng lại để phục vụ các mục đích mới. [12]

Kế hoạch

Các kế hoạch của các tòa nhà Renaissance có một diện mạo, hình vuông đối xứng, trong đó tỷ lệ này thường dựa trên một mô-đun. Trong một nhà thờ module thường là chiều rộng của một lối đi. Sự cần thiết để tích hợp các thiết kế kế hoạch với mặt đứng được giới thiệu như là một vấn đề trong công việc của Filippo Brunelleschi, nhưng ông không bao giờ có thể mang theo khía cạnh này của công việc của mình vào quả. Toà nhà đầu tiên để chứng minh điều này là St. Andrea ở Mantua bởi Alberti. Sự phát triển của kế hoạch trong kiến ​​trúc thế tục đã được diễn ra trong thế kỷ 16 và lên đến đỉnh điểm với công việc của Palladio.

 Sant'Agostino, Rome, Giacomo di Pietrasanta, 1483

Façade

Mặt tiền là đối xứng xung quanh trục thẳng đứng của họ. Mặt tiền nhà thờ thường được vượt qua bằng cách trán tường một và được tổ chức bởi một hệ thống các pilasters, vòm cửa và entablatures. Các cột và cửa sổ hiển thị một sự tiến triển về phía trung tâm. Một trong những mặt tiền thật sự đầu tiên Renaissance là Nhà thờ Pienza (1459-1462), đã được quy cho Florentine kiến ​​trúc sư Bernardo Gambarelli (được gọi là Rossellino) với Alberti có thể có một số trách nhiệm trong thiết kế của nó cũng.

Tòa nhà trong nước thường được vượt qua bằng cách cornice một. Có một sự lặp lại thường xuyên của các lỗ hở trên mỗi tầng, và các cửa trực thuộc Trung ương đặt được đánh dấu bởi một tính năng như ban công, hoặc vòm rusticated. Một nguyên mẫu ban đầu và nhiều người sao chép là mặt tiền cho Rucellai Palazzo (1446 và 1451) tại Florence với ba đăng ký của mình pilasters

 Cổ điển đơn đặt hàng, khắc từ vol Encyclopédie. 18. Thế kỷ 18.

Cột và pilasters

Các đơn đặt hàng La Mã của các cột được sử dụng: - Tuscan, Doric, Ionic, Corinthian và vật liệu Composite. Các đơn đặt hàng có thể được cấu trúc, hỗ trợ một arcade hoặc khuôn cửa, hoặc hoàn toàn trang trí, thiết lập vào một bức tường trong các hình thức pilasters. Trong thời kỳ Phục hưng, kiến ​​trúc sư nhằm mục đích sử dụng cột, pilasters, và entablatures như là một hệ thống tích hợp. Một trong những công trình đầu tiên sử dụng pilasters như là một hệ thống tích hợp trong phòng thánh Old (1421-1440) Brunelleschi.

Arches

Arches nửa vòng tròn, hoặc (trong phong cách người hay cầu kỳ) phân đoạn. Arches thường được sử dụng trong vườn được hỗ trợ trên các trụ và cột với thủ đô. Có thể là một phần của đầu cột giữa thủ đô và mọc của kiến ​​trúc. Alberti là một trong những người đầu tiên sử dụng các kiến ​​trúc trên một quy mô hoành tráng tại Andrea St. Trong Mantua.

Kho tiền

Kho tiền không có xương sườn. Họ là những phân đoạn hoặc nửa vòng tròn và vuông trên một kế hoạch, không giống như kho tiền Gothic thường là hình chữ nhật. Kho tiền thùng được trả về ngôn ngữ kiến ​​trúc tại Andrea St. Trong Mantua.

Domes

 The Dome của Vương Cung Thánh Đường Thánh Phêrô, Rôma.

Mái vòm được sử dụng thường xuyên, cả hai như là một tính năng cấu trúc rất lớn, đó là có thể nhìn thấy từ bên ngoài, và cũng như là một phương tiện không gian lợp mái nhà nhỏ, nơi họ chỉ hiển thị nội bộ. Mái vòm đã được sử dụng hiếm khi trong thời Trung cổ, nhưng sau thành công của các mái vòm trong thiết kế Brunelleschi của Santa Basilica di Maria del Fiore và sử dụng của nó trong kế hoạch Bramante của Vương Cung Thánh Đường Thánh Phêrô (1506) tại Rome, mái vòm đã trở thành một không thể thiếu yếu tố trong kiến ​​trúc nhà thờ và sau đó có những kiến ​​trúc thế tục, chẳng hạn như Palladio của Villa Rotonda [13].

Trần

Mái nhà được trang bị với trần nhà bằng phẳng hoặc coffered. Họ không mở lại như trong kiến ​​trúc thời Trung Cổ. Họ thường xuyên được sơn hoặc trang trí.

Doors

Cửa ra vào thường có các rầm đỡ vuông. Chúng có thể được đặt trong một vòm hoặc vượt qua bằng cách trán tường tam giác hoặc phân đoạn. Mở cửa mà không có cửa thường cong và thường xuyên có một yếu tố quyết định lớn hoặc trang trí.

Cửa sổ

Windows có thể được ghép nối và thiết lập trong một vòm hình bán nguyệt. Họ có thể có rầm đỡ vuông và trán tường tam giác hoặc phân đoạn, thường được sử dụng luân phiên. Điển hình trong lĩnh vực này là Farnese Palazzo ở Rome, bắt đầu từ năm 1517.

 Courtyard Palazzo Strozzi, Florence

Trong giai đoạn người hay cầu kỳ vòm "Palladian" đã được sử dụng, bằng cách sử dụng một mô-típ của một mở cao đứng đầu nửa vòng tròn hai bên với hai mở đứng đầu vuông thấp hơn. Windows được sử dụng để mang lại ánh sáng thành xây dựng và kiến ​​trúc trong nước, để cung cấp cho xem. Kính màu, mặc dù đôi khi hiện nay, không phải là một tính năng.

Walls

Bức tường bên ngoài nói chung nề ốp lát cao kết thúc, đặt trong các khóa học thẳng. Các góc của các tòa nhà thường được nhấn mạnh bởi quoins rusticated. Tầng hầm và tầng hầm thường được rusticated, như mô hình trên Palazzo Medici Riccardi (1444-1460) ở Florence. Tường trong suốt trát vữa và bề mặt với sơn trắng phấn. Đối với nhiều không gian chính thức, bề mặt bên trong được trang trí với các bức bích họa.

Chi tiết

Các khóa học, khuôn và tất cả các chi tiết trang trí được khắc với độ chính xác tuyệt vời. Nghiên cứu, nắm vững các chi tiết của người La Mã cổ đại là một trong những khía cạnh quan trọng của lý thuyết Renaissance. Các đơn đặt hàng khác nhau mỗi bộ yêu cầu khác nhau của các chi tiết. Một số kiến ​​trúc sư đều nghiêm ngặt trong việc sử dụng những chi tiết cổ điển hơn so với những người khác, nhưng cũng có một thỏa thuận tốt về sự đổi mới trong giải quyết các vấn đề, đặc biệt là ở góc. Đường gờ nổi bật xung quanh cửa ra vào và cửa sổ chứ không phải là recessed, như trong kiến ​​trúc Gothic. Con số bức tượng có thể được đặt trong hốc hoặc đặt trên plinths. Họ là không thể thiếu để xây dựng như trong kiến ​​trúc thời Trung cổ [14].

Tiến trình của kiến trúc phục hưng

Từ "Renaissance" bắt nguồn từ thuật ngữ "la rinascita", có nghĩa là sự tái sinh, xuất hiện lần đầu tiên của Giorgio Vasari Vite de più eccellenti architetti, pittori, et scultori Italiani (Cuộc sống của các nghệ sĩ, 1550-1568).

Mặc dù Renaissance hạn được sử dụng đầu tiên sử học người Pháp Jules Michelet, nó đã được định nghĩa của nó kéo dài từ Thụy Sĩ sử học Jacob Burckhardt, cuốn sách, Die Kultur der Renaissance tại Italien 1860 [1], có ảnh hưởng rất lớn trong sự phát triển của hiện đại giải thích của thời Phục hưng Ý. Folio của đo vẽ dinh thự de Rome moderne, ou, Recueil des Palais, maisons, églises, couvents et autres Các di tích (các tòa nhà của Modern Rome), xuất bản lần đầu tiên vào năm 1840 bởi Paul Letarouilly, cũng đóng một phần quan trọng trong sự hồi sinh của lãi suất trong giai đoạn này [2]. phong cách Phục Hưng đã được công nhận bởi người đương thời trong thời hạn "all'antica", hoặc "theo cách thức cổ xưa" (của người La Mã).
[Sửa]
Hiệu trưởng phasesRenaissance

Chủ đề
Kiến trúc
Nhảy
My thuật
Văn chương
Nhạc
Triết học
Khoa học
Công nghệ
Warfare
Khu vực
Anh
Pháp
Đức
Ý
Hà Lan
Bắc Âu
Ba Lan
Bồ Đào Nha
Tây ban nha
v · t · e


Các nhà sử học thường phân chia thời kỳ Phục hưng ở Ý thành ba giai đoạn. [3] Trong khi đó, các nhà sử học nghệ thuật có thể nói chuyện một thời gian "Early Renaissance", trong đó bao gồm phát triển trong hội họa và điêu khắc thế kỷ 14, điều này thường không phải là trường hợp trong lịch sử kiến ​​trúc. Các điều kiện kinh tế ảm đạm của cuối thế kỷ 14 đã không tạo ra các tòa nhà được coi là một phần của thời kỳ Phục Hưng. Kết quả là, từ "Renaissance" các sử kiến ​​trúc thường áp dụng cho giai đoạn 1400 đến ca. 1525, hoặc sau này trong trường hợp của Ý Renaissances không.

Các nhà sử học thường sử dụng các chỉ định sau đây:
Renaissance (khoảng 1400-1500), còn được gọi là thế kỷ thứ 15 [4] và đôi khi Early Renaissance [5]
Cao Renaissance (ca.1500-1525)
Không tự nhiên (khoảng 1520-1600)

Thế kỷ thứ 15
 Thế kỷ thứ 15, khái niệm trật tự kiến ​​trúc đã được khám phá và quy tắc đã được xây dựng. (Xem Các đặc điểm của Renaissance Kiến trúc, bên dưới.) Nghiên cứu về thời cổ điển dẫn cụ thể việc áp dụng các chi tiết cổ điển và trang trí.

Không gian, như một yếu tố của kiến ​​trúc, đã được sử dụng khác nhau từ cách thức mà nó đã có được trong thời Trung Cổ. Không gian được tổ chức bởi logic theo tỷ lệ, hình thức của nó và nhịp điệu tùy thuộc vào hình học, chứ không phải được tạo ra bằng trực giác như trong các tòa nhà thời Trung Cổ. Ví dụ điển hình của việc này là Basilica di San Lorenzo tại Florence bởi Filippo Brunelleschi (1377-1446) [6].

Cao Renaissance
 Trong Renaissance cao, khái niệm bắt nguồn từ thời cổ đại đã được phát triển và sử dụng tốt hơn với sự bảo lãnh. Các kiến ​​trúc sư đại diện nhất là Bramante (1444-1514) đã mở rộng các ứng dụng của kiến ​​trúc cổ điển cho các tòa nhà hiện đại. Của ông San Pietro trong Montorio (1503) được lấy cảm hứng trực tiếp từ của ngôi đền La Mã tròn. Ông được, tuy nhiên, hầu như không một nô lệ với các hình thức cổ điển và nó là phong cách của mình là để thống trị kiến ​​trúc Ý vào thế kỷ 16. [7]

Không tự nhiên
 Trong thời gian người hay cầu kỳ, kiến ​​trúc sư thử nghiệm với việc sử dụng các hình thức kiến ​​trúc để nhấn mạnh mối quan hệ vững chắc và không gian. Lý tưởng Renaissance hài hòa đã nhường chỗ cho nhịp điệu tự do hơn và tưởng tượng nhiều hơn. Kiến trúc sư nổi tiếng kết hợp với phong cách người hay cầu kỳ là Michelangelo (1475-1564), là người đã phát minh ra thứ tự khổng lồ, một trụ lớn trải dài từ phía dưới trên cùng của mặt đứng [8] Ông đã sử dụng điều này trong thiết kế của mình Campidoglio ở Rome.

Trước thế kỷ 20, không tự nhiên hạn có ý nghĩa tiêu cực, nhưng nó được sử dụng để mô tả các giai đoạn lịch sử tổng quát hơn không phán xét về. [9]

Từ Renaissance để Baroque
Bài chi tiết: kiến ​​trúc Baroque

Như phong cách kiến ​​trúc mới này lây lan ra từ Ý, hầu hết các nước châu Âu khác đã phát triển một loại proto-Renaissance phong cách, trước khi xây dựng các tòa nhà Renaissance xây dựng đầy đủ. Mỗi quốc gia lần lượt sau đó ghép truyền thống riêng của kiến ​​trúc của nó với phong cách mới, rằng các tòa nhà Renaissance trên khắp châu Âu được đa dạng hóa theo vùng.

Trong sự phát triển của kiến ​​trúc Renaissance vào không tự nhiên, với xu hướng phân kỳ rộng rãi trong công việc của Michelangelo và Giulio Romano và Andrea Palladio, Italy dẫn với phong cách Baroque, trong đó vốn từ vựng cùng một kiến ​​trúc được sử dụng cho những lời lẽ rất khác nhau.

Bên ngoài nước Ý, kiến ​​trúc Baroque là phổ biến rộng rãi hơn và phát triển đầy đủ hơn so với phong cách Phục Hưng, với những tòa nhà quan trọng nơi xa xôi như Mexico [10] và Philippines. [11]

kiến trúc thời kỳ phục hưng

thời kỳ phục hưng kiến trúc là kiến trúc của giai đoạn từ đầu thế kỷ 15 và đầu thế kỷ 17 ở các vùng khác nhau của châu Âu, thể hiện một sự hồi sinh có ý thức và phát triển của một số yếu tố của tư tưởng Hy Lạp và La Mã cổ đại và văn hóa vật chất. Phong cách, Renaissance kiến trúc theo kiến trúc Gothic và được kế tục bởi kiến trúc Baroque. Phát triển đầu tiên tại Florence, Filippo Brunelleschi là một trong những nhà sáng tạo của nó, phong cách Phục Hưng nhanh chóng lan sang các thành phố khác của Ý. Phong cách này được thực Pháp, Đức, Anh, Nga và các phần khác của châu Âu vào những ngày khác nhau và với mức độ khác nhau tác động.

Renaissance nhấn mạnh phong cách địa điểm trên đối xứng, hình học, tỷ lệ và đều đặn các bộ phận như họ được thể hiện trong kiến trúc của thời cổ đại và đặc biệt trong kiến ​​trúc La Mã cổ đại, trong đó có nhiều ví dụ còn lại. Sắp xếp có trật tự của cột, pilasters và các rầm đỡ, cũng như sử dụng các mái vòm hình bán nguyệt, mái vòm hình bán cầu, hốc và aedicules thay thế các hệ thống phức tạp hơn tỷ lệ và hồ sơ bất thường của tòa nhà trung cổ.

Zen Art

Seaside Resorts cho Honeymoons - dịch vụ cưới

Seaside Resorts cho Honeymoons

Giới thiệu

dịch vụ cưới
Getaways tư nhân hòn đảo lãng mạn, bộ Beachy, bungalow sàn trong đầm phá lung linh - oceanfront thoát honeymoons thứ đều được làm bằng. Và kiểm tra các cửa hàng chuyên gia khách sạn tại Mr & Mrs Smith là tốt nhất của tốt nhất để mang lại cho bạn 10 địa điểm tuyệt đẹp nơi bạn có thể thư giãn trong bể ngâm riêng của bạn, nhâm nhi món cocktail tại mép nước, hoặc thiết lập buồm trên một tàu hoàng hôn. Bon Voyage!
Hermitage Bay Hotel, Antigua
dịch vụ cưới
Các gợi ý tên các thanh thản trong cửa hàng: Một con đường đất dẫn đến một vịnh hẻo lánh (một trong 365 bãi biển hòn đảo này tuyên bố để có) nằm rải rác với các khu nhà gỗ là sự pha trộn hoàn toàn với các sườn đồi xanh tươi tốt. Phòng ở là một nghiên cứu trong understated sang trọng với nội thất mang phong cách Bali, khu vực ăn uống ngoài trời, và giường ngày trong hai. Và khi nói đến nhúng ngón chân của bạn trong nước, đại dương và một hồ bơi nước ngọt cong vô cùng - là phải có.
Room to cuốn sách: Cottage Beachfront. Họ không có hồ bơi riêng (như Suites Hilltop làm), nhưng biển là một hop, bỏ qua, và lặn đi.
dịch vụ cưới
Xem thêm hình ảnh của Vịnh Hermitage Hotel.dịch vụ cưới

Six Senses Ninh Van Bay, Nha Trang, Việt Nam

Bị cô lập trên một vịnh biển hình lưỡi liềm đó là chỉ có thể truy cập bằng thuyền, khu nghỉ mát mộc mạc nhưng không thể phủ nhận sang trọng là nghỉ ngơi cuối cùng từ thực tế. Chúng ta đang nói biệt thự nhìn ra biển (từng có bể ngâm riêng), dịch vụ quản gia (nếu bạn muốn nó), và các món ăn nổi bật (có lẽ một bữa tối lãng mạn deux ở hang động Wine?). Đối với một kinh nghiệm một lần trong một đời, một cuốn sách du lịch trên một chiếc thuyền gỗ truyền thống và bánh mì nướng tình trạng mới của bạn với rượu sâm banh và canapes là xuống mặt trời dưới đường chân trời.
Room to cuốn sách: Chắc chắn là một Villa nước. Giống như những người khác, họ có hồ bơi riêng của họ, nhưng cuộc đảo chính thực sự là mỗi đi kèm với thang riêng của mình trực tiếp dẫn ra biển. Số 5 là lựa chọn rác.

Xem thêm hình ảnh của Six Senses Ninh Van Bay.dịch vụ cưới

Esencia, Riviera Maya, Mexico

Hãy sẵn sàng để sống như tiền bản quyền. Đặt ngay trên bãi biển cát trắng vẫy tay, điều này hacienda mơ mộng được sử dụng để là ngôi nhà của một nữ công tước người Ý thực tế - một phụ nữ rõ ràng là biết một điều hay hai về thư giãn và lãng mạn. Mong đợi dịch vụ đặc biệt, ngon tequila cocktail, và spa thư giãn. Nếu bạn làm cho nó ra để xem những tàn tích của người Maya tại Tulum, chúng tôi sẽ vô cùng ấn tượng.
Room to cuốn sách: Splurge trên Suite Rosa, cựu phòng ngủ của nữ công tước - toàn bộ tài sản có thể được xem từ sân thượng khổng lồ của nó.

Xem thêm hình ảnh của Esencia.dịch vụ cưới

KC Resort & Over Water Villas, Koh Samui, Thái Lan

Nó không thường xuyên bạn sẽ có được đi trên mặt nước, nhưng lúc này rút lui cửa hàng đó là một sự xuất hiện hàng ngày. Được xây dựng trên các cột chống ở những hồ bơi nước mặn cá nhân, phòng chủ yếu là người lớn-kích thước playpens, giường ngon lành, đồ dùng kiểu dáng đẹp, bồn tắm nước nóng sâu sẽ giữ cho ngay cả các cặp vợ chồng bồn chồn nhất cho ngày chiếm đóng. Và khi bạn làm nổi lên, tất cả các thrills của hòn đảo bao gồm bãi biển thoải mái và quán bar karaoke chỉ là nhanh chóng đi xe tuk-tuk.
Room to cuốn sách: Tất cả phòng ở giống hệt nhau, nhưng những người ở hàng trên cùng có những điểm thuận lợi tốt nhất.

Xem thêm hình ảnh của KC Resort & Over Water Villas.

Macakizi, Bodrum Peninsula, Thổ Nhĩ Kỳ

Được vẽ bởi các vùng nước lấp lánh và địa hình của khu vực xanh tươi, các cặp vợ chồng thời trang đổ xô đến khách sạn sang trọng. Sàn ù của khách sạn được ngồi ngay trên biển, với tầm nhìn rực rỡ khắp nơi (khách hàng chỉ là như tuyệt đẹp như cảnh quan). Nếu bạn quyết định nán lại trên cocktail, yêu cầu bồi thường một vị trí hầm lửa trên boong tàu chìm, nhìn ra nước.
Room to cuốn sách: Để được gần bãi biển, hãy chọn một Suite Villa. Hoặc, cho sự riêng tư tối đa, yêu cầu một phòng Upper Deck, ngồi cao trên sườn đồi yên bình với một cái nhìn của bến cảng.

Xem ảnh của Macakizi.dịch vụ cưới

Stylish Ski Hotels for Honeymoons

ntroduction

Mỗi lần cho ăn kẹo khác trên giường là tốt đẹp và tất cả, nhưng đôi khi bạn muốn hành động nhiều hơn một chút về tuần trăng mật của bạn (có được tâm trí của bạn ra khỏi máng xối!). Cặp vợ chồng mới cưới có trái tim đẩy nhanh tại những suy nghĩ bay vút xuống dốc tuyết và trộn nó lên trong một cảnh Apres-ski tinh vi nên xem xét việc đặt phòng một chuyến đi đến một trong những charmers núi cao, lựa chọn cẩn thận bởi các chuyên gia khách sạn boutique tại Mr & Mrs Smith.

Amangani, Jackson Hole, Wyoming

Khu nghỉ dưỡng redwood-và-Teton đá cát kết (sa thạch) và thiết lập của nó có nhiều điểm chung: Cả hai đều lớn, in đậm, và ngoạn mục. Một số kiến ​​trúc sư có thể đã sợ hãi để cạnh tranh với sự lộng lẫy tự nhiên của khu vực, nhưng các đội phía sau Amangani phù hợp với quy mô của những trái núi với các khiếu grandest bao giờ bạn đã thấy. 3 câu chuyện nhà của một nhà hàng mà tấm tăng giá vé gồ ghề như nai sừng tấm ớt và bò rừng bizon xương sườn, và một spa nơi bạn có thể có được một rubdown sau khi thành thạo các thế lực. Bạn bè Ski sẽ thưởng thức phòng khách riêng gần gondola và xe điện để có được Rockies. Nó có giải khát miễn phí, hướng dẫn khách cư trú rải ra các lời khuyên trượt tuyết, và những người tham dự sẽ làm sạch và đóng gói thiết bị của bạn vào cuối phiên làm việc của bạn.

Room to cuốn sách: The Grand Teton Suite được thiên nhiên ưu đãi với toàn cảnh ấn tượng nhất, nhưng spacewise, Suite Sena bánh với 725 feet vuông để chơi nhập

Alpaga, Rhone-Alps, Pháp

Oh-so-scenically phía trên ngôi làng hình ảnh-book của Megeve, khách sạn boutique hiện đại bọ ve tất cả các hộp bên phải: hướng dẫn khách chu đáo, spa hư hỏng-mình, và người sành ăn grub (nghĩ rằng nhiệt pho mát sụp đổ và thăn bò). Bạn sẽ tìm thấy trang trí phòng sang trọng nhạy cảm-Feely, nhung, cashmere, và galore giả da - tất cả tốt hơn để làm ấm, cháu yêu quý ... đặc biệt là sau những ngày đầy khắc thông qua bột.

Room to cuốn sách: phòng Deluxe tấn công một môi trường hài lòng về không gian và sang trọng tại một mức giá phù hợp. Yêu cầu một trong chalet nhà hàng (số 10 đến 19) cho bữa ăn ngắn nhất đến trek.

Rio Hermoso, San Martin de los Andes, Ác-hen-ti-na

Tại một số khách sạn, bạn xem truyền hình. Tại sân chơi Patagonia, bạn xem dòng sông: Đó là sống với cá hồi bạc vào mùa xuân, gương rõ ràng và swimmable vào mùa hè, và đầy đủ và nhanh chóng di chuyển trong mùa đông. Băng ghế gỗ tẩy trắng và ghế sofa ngoài trời có thể cám dỗ bạn nán lại trên các ngân hàng của mình, nhưng các ngọn núi gần đó Chapelco đang chờ đợi với chạy tuyệt đẹp cho mọi cấp độ.

Room to cuốn sách: Tắt đích giống như thư viện, Phong 1 có sân thượng đó là một nơi hoàn hảo cho một buổi tối lười biếng với một chai Pinot Noir địa phương.

nghệ thuật thời ảnh hưởng saxxon

Thời kỳ di cư nghệ thuật mô tả nghệ thuật "dã man" dân tộc Đức và Đông châu Âu, những người di chuyển, và sau đó giải quyết trong Đế chế La Mã trước đây, trong thời kỳ di cư từ khoảng 300-700, thuật ngữ khái quát bao gồm đầu Anglo-Saxonnghệ thuật, Visigothic nghệ thuật, nghệ thuật Bắc Âu, nghệ thuật Môrôvê, tất cả đều sử dụng kiểu động vật, bởi giai đoạn này đã đạt đến một nhiều trừu tượng hình thức hơn trong nghệ thuật Scythia trước đó hoặc La Tène phong cách. Hầu hết các tác phẩm nghệ thuật là nhỏ và di động và những người còn sống sót chủ yếu là đồ trang sức và kim loại, với nghệ thuật thể hiện trong thiết kế hình học hoặc sơ đồ, thường rực hình thành và thực hiện, với vài con số và cố gắng của con người không có ở hiện thực. Anglo-Saxon hàng đầu nghiêm trọng từ Sutton Hoo là một trong những ví dụ tốt nhất.

Là "man rợ" dân tộc được Christianized, những ảnh hưởng tương tác với các bài cổ điển Địa Trung Hải truyền thống nghệ thuật Kitô giáo, và các hình thức mới như bản thảo được chiếu sáng, [14] và thực sự tiền xu, cố gắng cạnh tranh tiền xu La Mã tỉnh và các loại Byzantine. Tiền đúc như sceat sớm cho thấy thiết kế hoàn toàn không sử dụng để mô tả một người đứng đầu trong hồ sơ phải vật lộn với các vấn đề trong nhiều cách khác nhau. Có tài liệu tham khảo Anglo-Saxon tượng gỗ ngoại giáo, tất cả bây giờ bị mất, và ở Bắc Âu nghệ thuật truyền thống của Runestones chạm khắc được duy trì sau khi chuyển đổi sang Thiên Chúa giáo. Pict Celtic của Scotland cũng khắc đá trước và sau khi chuyển đổi, và truyền thống Anglo-Saxon và Ailen đặc biệt lớn vượt qua ngoài trời khắc có thể phản ánh các tác phẩm trước đó ngoại giáo. Viking nghệ thuật từ thế kỷ sau đó tại Scandinavia và các bộ phận của quần đảo Anh bao gồm các công việc từ cả hai nền ngoại giáo và Kitô giáo, và là một của flowerings cuối cùng của nhóm này rộng của

Khái lược nghệ Thuật Byzantine

Byzantine nghệ thuật là nghệ thuật của Đế quốc Byzantine, nói tiếng Hy lạp được hình thành sau khi chia của Đế quốc La Mã giữa nửa Đông và Tây, và đôi khi các bộ phận của Ý dưới sự cai trị của Byzantine. Nó xuất hiện từ thời kỳ đồ cổ Cuối năm khoảng 500 và sớm hình thành một truyền thống riêng biệt của giáo ở Châu Âu nhưng với ảnh hưởng lớn hơn nó. Trong đầu thời kỳ trung cổ, nghệ thuật Byzantine tốt nhất, thường là từ các cuộc hội thảo Imperial lớn, đại diện cho một lý tưởng của tinh tế và kỹ thuật mà các khách hàng quen châu Âu đã cố gắng để thi đua. Trong thời gian iconoclasm Byzantine trong 730-843 đại đa số các biểu tượng (hình ảnh thiêng liêng thường được vẽ trên gỗ) đã bị phá hủy, rất ít vẫn còn là hôm nay phát hiện bất kỳ nhà kho hiểu biết mới, và hầu hết các công trình còn lại là ở Ý (Rome và Ravenna vv ), hoặc Ai Cập tại Tu viện Saint Catherine, Mount Sinai.

Byzantine nghệ thuật là cực kỳ bảo thủ, vì lý do tôn giáo và văn hóa, nhưng vẫn giữ một truyền thống liên tục của chủ nghĩa hiện thực Hy Lạp, tranh luận với một mạnh mẽ chống hiện thực và xung thuộc về giáo si. Sau khi nối lại sản xuất biểu tượng trong 843 cho đến khi 1453 truyền thống nghệ thuật Byzantine tiếp tục với những thay đổi tương đối ít, bất chấp, hoặc bởi vì, sự suy giảm chậm của đế quốc. Có một sự hồi sinh đáng chú ý của phong cách cổ điển trong các tác phẩm của nghệ thuật thứ 10 của tòa án thế kỷ như Thánh Vịnh Paris, và trong suốt thời gian chiếu sáng bản thảo cho thấy phong cách song song, thường được sử dụng bởi các nghệ sĩ cùng, cho các nhân vật mang tính biểu tượng thu nhỏ khung và chính thức hơn những cảnh nhỏ hoặc các con số unframed trong lề của văn bản trong một phong cách hiện thực nhiều hơn nữa [11] Monumental tác phẩm điêu khắc với các con số vẫn còn là một điều cấm kỵ trong nghệ thuật Byzantine, hầu như không có bất kỳ trường hợp ngoại lệ được biết đến. Nhưng điêu ngà voi nhỏ, gần như tất cả ở chế độ mang tính biểu tượng (Triptych Harbaville là ngày tương tự như Sách Thánh Vịnh Paris, nhưng rất khác nhau trong phong cách), là một đặc sản, như là cứu trợ trang trí trên bát và các vật bằng kim loại khác. Đế chế Byzantine sản xuất của nghệ thuật tốt nhất của thời Trung Cổ về chất lượng vật liệu và tay nghề, với tòa án sản xuất tập trung vào Constantinople, mặc dù một số sử gia nghệ thuật đã đặt câu hỏi giả định, vẫn thường được làm, rằng tất cả các công việc có chất lượng tốt nhất với không có dấu hiệu cho thấy nguồn gốc được sản xuất tại thủ đô. Thành tựu của Byzantine nghệ thuật tượng đài và bức hoạ trên tường khảm bên trong nhà thờ mái vòm, hầu hết trong số đó đã không còn tồn tại do thiên tai và chiếm đoạt của các nhà thờ để thờ.

 Thế kỷ thứ 6 hoặc 7 Coptic biểu tượng của Chúa Giêsu và các cổ phiếu trụ trì một hình thức giản dị hơn phong cách chống hiện thực của nghệ thuật mang tính biểu tượng Byzantine.

Byzantine nghệ thuật thực hiện nhỏ giọt liên tục ảnh hưởng về nghệ thuật Tây Âu, và splendours của tòa án và tu viện Byzantine, ngay cả ở cuối của đế quốc, cung cấp một mô hình cho các nhà lãnh đạo phương Tây và khách hàng quen thế tục và văn phòng. Ví dụ Đối với hàng dệt lụa Byzantine, thường dệt thoi hoặc thêu với mẫu thiết kế của cả động vật và hình người, thường phản ánh truyền thống cũ có nguồn gốc ở phía đông, đã được tối thượng trong thế giới Kitô giáo cho đến khi kết thúc của đế chế. Chúng được sản xuất, nhưng có lẽ không hoàn toàn như vậy, trong các hội thảo Hoàng gia ở Constantinople, về có hoạt động chúng tôi biết bên cạnh các hội thảo không có gì tương tự thường được phỏng đoán cho nghệ thuật khác, với bằng chứng thậm chí ít hơn. Một số nghệ thuật trang trí khác kém phát triển, gốm sứ Byzantine hiếm khi vượt lên trên mức độ nghệ thuật dân gian hấp dẫn, mặc dù di sản Hy Lạp cổ đại và tương lai đầy ấn tượng trong thời kỳ Ottoman sứ Iznik và các loại đồ gốm.

Nghệ thuật Coptic Ai Cập mất một con đường khác nhau, sau khi Giáo Hội Coptic tách ra giữa thế kỷ-5th, nó không bao giờ trở lại được hỗ trợ của nhà nước, và ảnh hưởng của Ai Cập có nguồn gốc chủ yếu để sản xuất hoàn toàn không hiện thực và phong cách hơi ngây thơ của mắt lớn con số trôi nổi trong không gian trống. Đây là khả năng biểu cảm tuyệt vời, và "Đông" thành phần của nghệ thuật Byzantine kết luận hợp lý của nó. Coptic trang trí được sử dụng thiết kế hình học phức tạp, thường dự đoán nghệ thuật Hồi giáo. Do bảo quản đặc biệt tốt của các ngôi mộ Ai Cập, chúng ta biết thêm về các hàng dệt may được sử dụng bởi ít khá giả ở Ai Cập hơn bất cứ nơi nào khác. Đây thường được trang trí công phu với thiết kế tượng trưng và khuôn mẫu. Truyền thống địa phương khác ở Armenia, Syria, Georgia và các nơi khác cho thấy sự tinh tế thường ít, nhưng thường có nhiều sinh lực hơn nghệ thuật của Constantinople, và đôi khi, đặc biệt là trong kiến ​​trúc, có vẻ như đã có ảnh hưởng ngay cả ở Tây Âu. Ví dụ như tác phẩm điêu khắc tượng đài tượng trưng bên ngoài của nhà thờ xuất hiện ở đây một vài thế kỷ trước khi nó được nhìn thấy ở phương Tây [12].

Nghệ thuật Kitô giáo sớm,

Nghệ thuật Kitô giáo sớm, thường được mô tả như nghệ thuật cổ trễ, bao gồm giai đoạn từ khoảng 200 (trước khi mà không có nghệ thuật Kitô giáo khác biệt tồn tại), cho đến khi sự khởi đầu của một phong cách hoàn toàn Byzantine trong khoảng 500. Rằng vẫn còn những quan điểm khác nhau khi thời kỳ trung cổ bắt đầu trong thời gian này, cả về lịch sử nói chung và lịch sử nghệ thuật đặc biệt, nhưng nó thường được đặt vào cuối giai đoạn. Trong quá trình thế kỷ thứ 4, Kitô giáo đã đi từ một bức hại phổ biến giáo phái tôn giáo chính thức của Đế chế, thích nghi với phong cách La Mã hiện có và hình tượng thường, từ nghệ thuật phổ biến và Imperial. Từ khi bắt đầu của thời kỳ này Tỉ lệ sống chính của nghệ thuật Kitô giáo là những ngôi mộ bức tranh trong phong cách phổ biến của các hang toại đạo của Roma, nhưng vào cuối đã có một số khảm xa hoa trong các nhà thờ được xây dựng dưới sự bảo trợ Imperial. Trong giai đoạn này, đế quốc Late Roman nghệ thuật đã đi qua một cách nổi bật giai đoạn "baroque", và sau đó phần lớn là từ bỏ phong cách cổ điển và chủ nghĩa hiện thực Hy Lạp ủng hộ một phong cách thần bí và thuộc về giáo si-một quá trình cũng đã được tiến hành trước khi Kitô giáo đã trở thành một ảnh hưởng lớn đế quốc nghệ thuật . Ảnh hưởng từ các bộ phận phía Đông của đế quốc Ai Cập, Syria và xa hơn nữa, và cũng có một mạnh mẽ truyền thống "Italic" tiếng địa phương, góp phần vào quá trình này. Con số này được chủ yếu là diện nhìn chằm chằm vào người xem, nghệ thuật cổ điển có xu hướng để hiển thị một cái nhìn lịch - thay đổi cuối cùng đã được nhìn thấy ngay cả trên tiền xu. Cá tính của những bức chân dung, một sức mạnh tuyệt vời của nghệ thuật La Mã, giảm mạnh, và giải phẫu và xếp nếp của các nhân vật được thể hiện với hiện thực ít hơn nhiều. Các mô hình thời trung cổ Bắc Âu đặc biệt là hình thành ý tưởng của phong cách "Roman" gần như tất cả các công trình di động Late Antique Antique Late khắc chiếc quách được tìm thấy trên tất cả các cựu đế chế La Mã, [9] quyết tâm tìm thấy trước đó "tinh khiết" các mô hình cổ điển, là một yếu tố quan trọng trong all'antica nghệ thuật thời Phục hưng. [10]

Tổng quan về nghệ thuật trung cổ

Thời Trung Cổ đã thấy giảm sự ổn định, thịnh vượng và dân số trong các thế kỷ đầu tiên của giai đoạn khoảng 800, và sau đó tăng tương đối ổn định và nói chung cho đến khi trở ngại lớn của Cái chết Đen xung quanh 1350, được ước tính đã giết chết ít 1/3 tổng dân số ở châu Âu, với tỷ lệ thường cao hơn ở phía nam và thấp ở phía bắc. Nhiều khu vực không lấy lại mức độ dân số trước đây của họ cho đến thế kỷ 17. Dân số châu Âu ước tính đã đạt đến một điểm thấp khoảng 18 triệu vào năm 650, tăng gấp đôi 1000, và đạt hơn 70 triệu năm 1340, ngay trước khi cái chết đen. Trong 1450 nó vẫn chỉ có 50 triệu. Để những con số này, Bắc Âu, đặc biệt là Anh, đóng góp một tỷ lệ thấp hơn ngày hôm nay, và Nam Âu, trong đó có Pháp, cao hơn. [2] Sự gia tăng sự thịnh vượng, cho những người sống sót, ít bị ảnh hưởng bởi cái chết đen. Cho đến khoảng thế kỷ thứ 11 nhất của châu Âu là lao động nông nghiệp, với số lượng lớn đất chưa sử dụng, và Medieval Warm Period lợi nông nghiệp cho đến khoảng 1315.

 Cảnh của tình yêu phong nhã trên ngà voi của một người phụ nữ gương trường hợp. Paris, 1300-1330.

Thời trung cổ cuối cùng chứng kiến ​​sự giảm đi của các cuộc xâm lược và xâm nhập từ bên ngoài khu vực đặc trưng của thiên niên kỷ thứ nhất. Các cuộc chinh phục Hồi giáo của thế kỷ thứ 6 và thứ 7 đột ngột và vĩnh viễn loại bỏ tất cả của Bắc Phi từ thế giới phương Tây, và trong phần còn lại của các dân tộc thời kỳ Hồi giáo dần dần đã lên Đế chế Byzantine, cho đến khi kết thúc giáo ở Châu Âu thời Trung cổ, có lấy lại bán đảo Iberia ở phía tây nam, là một lần nữa bị đe dọa Hồi giáo từ phía đông nam.

Vào lúc bắt đầu của thời kỳ trung cổ, công trình quan trọng nhất của nghệ thuật là rất hiếm và các đối tượng tốn kém liên kết với giới tinh hoa thế tục, tu viện hay nhà thờ lớn, và nếu tôn giáo, chủ yếu là sản xuất bởi các nhà sư. Vào cuối thời Trung Cổ hoạt động quan tâm nghệ thuật đáng kể có thể được tìm thấy trong những ngôi làng nhỏ và số lượng lớn các nhà tư sản ở các thị trấn, và sản xuất của họ ở nhiều nơi ngành công nghiệp quan trọng ở địa phương, với các nghệ sĩ từ các giáo sĩ bây giờ các trường hợp ngoại lệ. Tuy nhiên, Luật của Thánh Biển Đức cho phép bán tác phẩm nghệ thuật của các tu viện, và rõ ràng rằng trong suốt thời gian tu sĩ có thể tạo ra nghệ thuật, bao gồm các công trình thế tục, thương mại cho một thị trường giáo dân và tu viện như nhau sẽ thuê nhân nằm các chuyên gia khi cần thiết. 3]

Ấn tượng này có thể được để lại bởi các công trình còn sót lại mà hầu như tất cả các nghệ thuật thời trung cổ là tôn giáo. Đây là xa từ các trường hợp, mặc dù nhà thờ trở nên rất giàu có trong thời Trung cổ và đã được chuẩn bị để chi tiêu hào phóng về nghệ thuật, cũng có nhiều thế tục nghệ thuật có chất lượng tương đương mà đã phải chịu một tỷ lệ cao hơn hao mòn, mất mát và sự hủy diệt. Thời Trung Cổ nói chung không có khái niệm về bảo quản công trình cũ bằng khen nghệ thuật của họ, như trái ngược với hiệp hội của mình với một con số thánh nhân hay người sáng lập, và các giai đoạn sau của thời Phục hưng và Baroque có xu hướng chê bai nghệ thuật Trung Cổ. Hầu hết các bản thảo sang trọng chiếu sáng của thời Trung Cổ sớm có xa hoa cuốn sách bao gồm kim loại quý, ngà voi và đồ trang sức, trang lại bị ràng buộc và phù điêu ngà voi để bọc đã sống sót với số lượng lớn hơn nhiều so với bìa hoàn chỉnh, đã hầu như đã được loại bỏ cho vật liệu có giá trị của họ tại một số điểm.

 Bao gồm đá quý của Aureus Codex of St. Emmeram, c. 870, một cuốn sách Tin Mừng Carolingian.

Hầu hết các nhà thờ đã được xây dựng lại, thường là nhiều lần, nhưng cung điện thời trung cổ và nhà lớn đã bị mất tại một tỷ lệ lớn hơn nhiều, đó cũng là sự thật của các phụ kiện và trang trí của họ. Ở Anh, các nhà thờ tồn hầu như nguyên vẹn từ thế kỷ mỗi kể từ thứ 7, và với số lượng đáng kể cho những người sau này thành phố Norwich một mình có 40 nhà thờ nhưng thời trung cổ trong hàng chục cung điện hoàng gia không tồn tại từ sớm hơn so với thế kỷ 11, và chỉ có một số tàn dư từ phần còn lại của thời kỳ này [4]. Tình hình cũng tương tự như ở hầu hết châu Âu, mặc dù thế kỷ 14 Palais des Papes ở Avignon sống sót hầu như nguyên vẹn. Nhiều hoạt động lâu nhất tranh chấp học thuật trong ngày và nguồn gốc các công trình cá nhân liên quan đến phần thế tục, bởi vì họ hiếm hơn rất nhiều - Pin Anglo-Saxon Fuller đã bị từ chối bởi Bảo tàng Anh như một giả không hợp lý, và thế tục miễn phí-đứng nhỏ tác phẩm điêu khắc bằng đồng rất hiếm hoi mà ngày, nguồn gốc và thậm chí cả tính xác thực của cả hai ví dụ tốt nhất đã được tranh cãi trong nhiều thập kỷ. [5]

 Wilton giáp bản tư nhân nhỏ cho Richard II của Anh, c. 1400, với các nền tảng vàng đóng dấu và nhiều Ultramarine.

Việc sử dụng các vật liệu có giá trị là một hằng số trong nghệ thuật thời Trung Cổ, cho đến khi kết thúc của thời kỳ này, nhiều hơn thường dành cho mua hơn vào việc thanh toán các nghệ sĩ, ngay cả khi không phải là những tu sĩ thực hiện nhiệm vụ của mình. Vàng được sử dụng cho các đối tượng cho nhà thờ và cung điện, đồ trang sức cá nhân và các phụ kiện quần áo, và cố định vào mặt sau của thủy tinh Tesserae-như là một nền tảng vững chắc để khảm, hoặc áp dụng như lá vàng để thu nhỏ trong bản thảo và các bức tranh bảng điều khiển. Nhiều đối tượng bằng cách sử dụng các kim loại quý đã được thực hiện trong kiến ​​thức mà giá trị vàng của họ có thể được thực hiện tại một điểm gần cuối của thời kỳ này trong tương lai tiền có thể được khác hơn so với bất động sản có vốn đầu tư, trừ trường hợp có nguy cơ lớn hoặc bằng cách cam kết cho vay nặng lãi.

Lapis da trời có thể đạt được chỉ từ Afghanistan, thậm chí còn đắt hơn sắc tố xanh biếc, được thực hiện từ mặt đất đã được sử dụng hào phóng trong thời kỳ kiến ​​trúc Gothic, thường xuyên hơn cho lớp vỏ bên ngoài màu xanh truyền thống của Đức Trinh Nữ Maria hơn so với bầu trời. Ngà, thường sơn, là một nguyên liệu quan trọng cho đến phút cuối của thời kỳ này, cũng minh họa sự thay đổi trong nghệ thuật sang trọng cho công trình thế tục, vào lúc bắt đầu của thời kỳ này hầu hết sử dụng được chuyển đổi từ diptychs lãnh sự đối với các đối tượng tôn giáo như sách bìa, reliquaries và croziers, nhưng trong thế tục thời kỳ Gothic gương trường hợp, quan tài và trang trí lược trở nên phổ biến trong số những người giàu. Khi tấm ngà mỏng khắc trong cứu trợ hiếm khi có thể được tái chế cho công việc khác, số lượng Tỉ lệ sống là tương đối cao như vậy là đúng sự thật của các trang bản thảo, mặc dù đây là những thường bị tái chế bằng cách cạo, sau đó, họ trở thành palimpsests.

Ngay cả những vật liệu cơ bản đã tốn kém: khi Anglo-Saxon Monkwearmouth-Jarrow Abbey lên kế hoạch để tạo ra ba bản sao của kinh thánh trong 692 trong đó có một người sống sót như các Amiatinus-Codex bước đầu tiên cần thiết để lập kế hoạch để nuôi gia súc để cung cấp các 1.600 bê để cung cấp cho da các yêu cầu giấy da giả. [6]

Giấy đã trở thành có sẵn trong các thế kỷ cuối cùng của thời kỳ này, nhưng cũng cực kỳ đắt so với tiêu chuẩn hiện nay, tranh khắc gỗ bán bình thường khách hành hương tại đền thờ thường matchbook kích thước hoặc nhỏ hơn. Dendrochronology hiện đại đã tiết lộ rằng hầu hết các cây sồi tấm được sử dụng trong bức tranh Hà Lan đầu tiên của thế kỷ 15 được khai thác trong lưu vực sông Vistula tại Ba Lan, từ nơi nó được vận chuyển xuống sông và trên biển Baltic và Bắc đến các cảng Flemish, trước khi dày dạn trong nhiều năm [7].

Nghệ thuật trong thời Trung cổ là một chủ đề rộng lớn và các nhà sử học nghệ thuật truyền thống phân chia quy mô lớn trong một số giai đoạn, phong cách hoặc thời gian. Thời gian của thời Trung Cổ không bắt đầu cũng không phải kết thúc gọn gàng tại bất kỳ ngày nào cụ thể, cũng không phải cùng một lúc ở tất cả các khu vực, và cùng là đúng cho các giai đoạn quan trọng của nghệ thuật trong khoảng thời gian. [8] Các giai đoạn chính được bao gồm trong phần sau.

Nghệ thuật thời trung cổ

Medieval nghệ thuật
Nghệ thuật thời trung cổ của thế giới phương Tây bao gồm một phạm vi rộng lớn của thời gian và địa điểm, hơn 1000 năm lịch sử nghệ thuật ở châu Âu, và tại thời Trung Đông và Bắc Phi. Nó bao gồm các phong trào nghệ thuật lớn và thời gian, nghệ thuật quốc gia và khu vực, thể loại, phục hưng, các nghề thủ công các nghệ sĩ, và bản thân các nghệ sĩ.

Nhà sử học nghệ thuật cố gắng để phân loại nghệ thuật thời trung cổ vào giai đoạn chính và phong cách, thường có một số khó khăn. Một kế hoạch chung được chấp nhận bao gồm nghệ thuật Cơ đốc buổi đầu, nghệ thuật thời kỳ di cư, nghệ thuật Byzantine, Insular nghệ thuật, nghệ thuật Pre-Romanesque và Romanesque, và nghệ thuật Gothic, cũng như nhiều giai đoạn khác trong các phong cách miền Trung. Ngoài ra, mỗi khu vực, chủ yếu là trong khoảng thời gian trong quá trình trở thành quốc gia hay các nền văn hóa, có phong cách nghệ thuật khác biệt riêng của mình, chẳng hạn như Anglo-Saxon nghệ thuật hay nghệ thuật Bắc Âu.

Nghệ thuật thời trung cổ được sản xuất trong nhiều phương tiện truyền thông và các công trình còn lại với số lượng lớn bao gồm điêu khắc, bản thảo được chiếu sáng, kính màu, kim loại và khảm, tất cả đều đã có tỷ lệ sống sót cao hơn so với các phương tiện truyền thông khác như làm việc ngoài trời, tường, bức tranh trong quý kim loại hoặc vật liệu dệt, bao gồm cả tấm thảm. Đặc biệt là vào những năm đầu của thời kỳ này, làm việc trong cái gọi là "nghệ thuật nhỏ" hoặc nghệ thuật trang trí, chẳng hạn như kim loại, ngà voi chạm khắc, men và thêu bằng cách sử dụng các kim loại quý, có thể đánh giá cao hơn so với các bức tranh hay tác phẩm điêu khắc tượng đài.

Nghệ thuật thời Trung cổ tại châu Âu tăng của di sản nghệ thuật của Đế chế La Mã và các truyền thống iconographic đầu nhà thờ Thiên chúa giáo. Những nguồn này đã được trộn lẫn với mạnh mẽ "Barbarian" văn hóa nghệ thuật của Bắc Âu để sản xuất một di sản nghệ thuật đáng chú ý. Thực sự là lịch sử của nghệ thuật thời trung cổ có thể được xem như là lịch sử của sự tương tác giữa các yếu tố của cổ điển, đầu Kitô giáo và "dã man" nghệ thuật [1] Ngoài từ những khía cạnh chính thức của cổ điển, có một truyền thống liên tục miêu tả thực tế của các đối tượng sống sót trong nghệ thuật Byzantine trong suốt thời gian này, trong khi ở phương Tây, nó xuất hiện liên tục, kết hợp và đôi khi cạnh tranh với các khả năng mới nghĩa biểu hiện phát triển ở Tây Âu và Bắc di sản của các yếu tố trang trí tràn đầy năng lượng. Thời gian kết thúc với sự phục hồi Renaissance tự nhận thức của các kỹ năng và giá trị của nghệ thuật cổ điển, và di sản nghệ thuật của thời Trung Cổ là xem thường đối với một số thế kỷ. Kể từ khi một sự hồi sinh quan tâm và hiểu biết trong thế kỷ 19, nó đã được nhìn thấy như là một giai đoạn thành tựu to lớn làm nền cho sự phát triển của nghệ thuật phương Tây sau.

Phương Tây hội họa Ai Cập cổ đại,

Tây sơn
Ai Cập cổ đại, một nền văn minh với các truyền thống mạnh mẽ của kiến ​​trúc và điêu khắc (cả ban đầu được sơn màu sắc tươi sáng), đã có nhiều bức bích họa trong các đền thờ và các tòa nhà, và vẽ hình minh họa trên bản thảo giấy cói. Ai Cập tường sơn và sơn trang trí thường là đồ họa, đôi khi tượng trưng hơn so với thực tế. Ai Cập bức tranh mô tả con số trong phác thảo đậm và bóng phẳng, trong đó đối xứng là một đặc tính không đổi. Ai Cập bức tranh có kết nối chặt chẽ với văn bản ngôn ngữ gọi là chữ tượng hình Ai Cập. Biểu tượng sơn được tìm thấy trong số các hình thức đầu tiên của ngôn ngữ viết. Người Ai Cập cũng vẽ trên vải lanh, còn sót lại trong đó có tồn tại ngày nay. Bức tranh Ai Cập cổ đại sống sót do khí hậu rất khô. Người Ai Cập cổ tạo ra bức tranh để làm cho thế giới bên kia của một nơi đã chết dễ chịu. Các chủ đề bao gồm cuộc hành trình qua afterworld hoặc các vị thần bảo vệ của họ giới thiệu người chết với các vị thần của thế giới ngầm. Một số ví dụ của bức tranh đó là bức tranh của các vị thần và nữ thần Ra, Horus, Anubis, Nut, Osiris và Isis. Một số bức tranh ngôi mộ cho thấy hoạt động mà người quá cố đã tham gia trong khi họ vẫn còn sống và mong muốn thực hiện làm cho cõi đời đời. Trong Vương quốc mới và sau đó, Book of the Dead được chôn cùng với người chôn vùi. Nó được coi là quan trọng đối với một giới thiệu về thế giới bên kia.

Về phía bắc của Ai Cập là nền văn minh Minoan trên đảo Crete. Các bức tranh tường được tìm thấy trong cung điện Knossos là tương tự như những người của người Ai Cập nhưng nhiều tự do hơn trong phong cách.

Khoảng năm 1100 trước Công nguyên, các bộ lạc phía bắc của Hy Lạp chinh phục Hy Lạp và nghệ thuật của nó đã một hướng đi mới. Văn hóa của Hy Lạp cổ đại là đáng chú ý vì những đóng góp của mình cho nghệ thuật thị giác. Vẽ tranh trên gốm của Hy Lạp cổ đại và gốm sứ cung cấp cho một cái nhìn đặc biệt là thông tin vào cách thức xã hội Hy Lạp cổ đại có chức năng. Rất nhiều ví dụ của bức tranh bình hình đen và sơn đỏ con số bình vẫn còn tồn tại. Một số họa sĩ Hy Lạp nổi tiếng, những người làm việc trên tấm gỗ và được đề cập trong các văn bản Apelles, Zeuxis và Parrhasius, tuy nhiên, với ngoại lệ duy nhất của các tấm Pitsa, không có ví dụ về các bức tranh bảng Hy Lạp cổ đại sống sót, chỉ mô tả được viết bởi những người đương thời của họ hoặc sau đó người La Mã . Zeuxis sống ở thế kỷ thứ 5 trước Công nguyên và được cho là người đầu tiên sử dụng sfumato. Theo Pliny the Elder, chủ nghĩa hiện thực bức tranh của ông rằng những con chim đã cố gắng để ăn nho sơn. Apelles được mô tả là họa sĩ vĩ đại nhất của thời cổ, và được ghi nhận là kỹ thuật hoàn hảo trong bản vẽ, màu sắc rực rỡ, và mô hình hóa.

Roman nghệ thuật chịu ảnh hưởng của Hy Lạp và một phần có thể được dùng như là hậu duệ từ bức tranh Hy Lạp cổ đại. Tuy nhiên, bức tranh La Mã không có đặc điểm quan trọng duy nhất. Hầu như tất cả các công trình La Mã còn sót lại là những bức tranh tường, nhiều biệt thự in Campania, miền Nam nước Ý. Bức tranh như vậy có thể được nhóm lại thành bốn chính "phong cách" hoặc giai đoạn [17] và có thể chứa các ví dụ đầu tiên của trompe-l'oeil, giả quan điểm, và cảnh quan tinh khiết. [18] Hầu hết các bức chân dung sơn còn sót lại từ thế giới cổ đại một số lượng lớn của Mummy chân dung của hình thức phá sản được tìm thấy trong nghĩa trang cổ Late của Al-Fayum. Mặc dù đây là những không phải của giai đoạn tốt nhất cũng không phải chất lượng cao nhất, [cần dẫn nguồn] họ rất ấn tượng trong bản thân, và cho chất lượng của các công trình cổ nhất. Một số lượng rất nhỏ của mô hình thu nhỏ từ Late sách Antique minh họa cũng tồn tại, cũng như một số lượng lớn hơn chứ không phải bản sao của chúng từ thời kỳ Trung Cổ sớm.